Awake: Traum oder Realität?

Während es einige Serien gibt, um die ein Wahnsinnshype gemacht wird, ohne dass sie deshalb besonders gut sein müssten, existieren auch erstaunlich viele Serien, von denen man noch nie gehört hat, die aber trotzdem gar nicht so schlecht sind. Eins dieser kleineren Projekte ist Awake, eine Serie um den Polizisten Michael Britten (Jason Isaacs), der nach einem schweren Unfall in zwei verschiedenen Realitäten aufwacht.

Awake: Michael Britten (Jason Isaacs) Bild via serienjunkies.de

Awake: Michael Britten (Jason Isaacs) Bild via serienjunkies.de

In der einen, der „roten Realität“ ist seine Frau (Laura Allen als Hannah) noch am Leben, aber sein Sohn ist tot. In der anderen, der „grünen“ hat sein Sohn (Dylan Minnette als Rex) den Unfall überlebt, aber seine Frau nicht. In beiden Realitäten geht er zur Therapie, in der roten zu Dr. Jonathan Lee (wie immer großartig: BD Wong), in der grünen zu Dr. Judith Evans (Cherry Jones), was sehr amüsant ist, da beide Psychiater immer sehr gute Erklärungen dafür haben, warum „ihre“ Realität die jeweils echte und die andere ein Traum ist. In beiden Realitäten geht Britten seinem alten Job als Detective beim LAPD nach, wobei er zwar die gleiche Chefin, nämlich Captain Tricia Harper (Laura Innes), aber unterschiedliche Partner hat, in der „roten“ ist das der junge Elfrem Vega (Wilmer Valderrama), den Britten nicht für voll nimmt, in der „grünen“ ist es Isaiah „Bird“ Freeman (Steve Harris), mit dem er bereits seit Jahren zusammen arbeitet. Mit der Zeit stellt sich heraus, dass die völlig unterschiedlichen Fälle, an denen Britten in den jeweiligen Realitäten arbeitet, stets irgendwie zusammenhängen und er kommt nach und nach einem Mordkomplott auf die Spur, dem eigentlich er zum Opfer fallen sollte.

Awake: Dr. Jonatha Lee (BD Wong) Bild via imdb.com

Awake: Dr. Jonathan Lee (BD Wong) Bild via imdb.com

Awake war einer der vielen vergeblichen Versuche des altehrwürdigen US-Senders NBC an alte Serienerfolge anzuknüpfen – NBC ist unter anderem bekannt für Klassiker wie ALF, Seinfeld, Friends oder Golden Girls. Aber die Konkurrenz, vor allem durch Bezahlsender wie HBO, Showtime oder AMC, die von den vergleichsweise strengen Zensurvorschriften im frei empfangsbaren US-Fernsehen weniger betroffen sind und auch dank Sex, Gewalt und offenen Worten eine ganze Menge erfolgreicher Serien produzieren, macht es den etablierten Networks zunehmen schwer – wobei ich das gar nicht schlimm finde. Und dann gibt es neuerdings ja auch noch Hulu, Netflix und Amazon, die eine Qualitätsserie nach der anderen raushauen – da muss man sich schon etwas anderes einfallen lassen als nur immer mehr vom Bewährten. Wobei NBC mit This Is Us im vergangenen Jahr offenbar mal wieder einen Treffer gelandet hat – muss ich mir gelegentlich ansehen.

Doch zurück zu Awake – zwar wurde die Serie 2012 nach nur einer Staffel wegen schlechter Einschaltquoten eingestellt, was aber in diesem Fall eher gegen das Publikum als gegen die Serie spricht – denn so halbmittelgute Serien wie The Blacklist oder Blindspot sehen sich die Leute auf NBC ja auch an. Awake finde ich zumindest nicht schlechter.

Awake: Dr. Judtith Evans (Cherry Jones) Bild via imdb.com

Awake: Dr. Judtith Evans (Cherry Jones) Bild via imdb.com

Wobei ich zugeben muss, dass Awake für alle, die auf klassische Krimiserien stehen, vermutlich zu viel Psychokram und Familiendrama enthält, und für alle, die auf Familiendrama sehen, dann wieder zu viel Krimi drin ist. Man muss schon sich schon auf den ganzen Mindfuck einlassen – dann kann Awake aber wirklich Spaß machen. Über die 13 Folgen entspinnt sich eine durchaus komplexe Handlung, die sich gegen Ende rasant zuspitzt, und, weil sich offenbar abzeichnete, dass das Projekt nicht fortgesetzt werden soll, auch abgeschlossen wird. Wobei ich von dem Ende nicht wirklich zufrieden bin, auch wenn es irgenwie einleuchtet.

Aber das ist ja oft so: Je drastischer die Dinge am Ende eskaliert werden, desto schwieriger wird es, einen überzeugenden Schluss zu finden. Awake ist jedenfalls mein Tipp für Freunde von Mystery-Serien, die ein überschaubares Projekt für zwischendurch suchen, während man auf die Fortsetzungen von Better Call Saul, Mr. Robot oder Westworld wartet.

Awake: Hannah (Laura Allen), Rex (Dylan Minette) und Michael (Jason Isaacs)

Awake: Hannah (Laura Allen), Rex (Dylan Minette) und Michael (Jason Isaacs) Bild via imdv.com

Z – The Beginning of Everything

Der Wettstreit um immer neue Inhalte, mit denen Streaming-Kunden gefüttert werden können, bringt derzeit eine ganze Reihe Serien hervor, die vielleicht nicht unbedingt das neue Breaking Bad sind, aber doch durchaus sehenswert. Amazon hat sich jetzt an einer Art neuem Downton Abbey versucht – allerdings geht es hier nicht um die Geschichte einer britischen Adelsfamilie, die mit den Umbrüchen während und nach dem ersten Weltkrieg klar kommen muss, sondern um die Lebensgeschichte zweier Kultfiguren der goldenen 20er des vorherigen Jahrhunderts, die in den USA gelebt haben: Zelda und F. Scott Fitzgerald.

In Z – The Beginning of Everything wird das Leben der jungen Zelda Sayre (Christina Ricci) erzählt. Die jüngste von drei Töchtern eines strengen Richters wächst in Montgomery, Alabama, auf. Das Klima ist warm, aber die Menschen dort sind langweilig und konservativ – und alles ist irgendwie alt, wie Zelda findet. Sie weiß zwar noch nicht, was sie stattdessen will, ist sich aber sicher, dass es überall besser sein muss als in Montgomery.

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Z – The Beginning Of Everything: Zelda (Christina Ricci)

Zelda ist jung, schön und pfeift auf die Konventionen – und kommt mit ihrer Frechheit auch immer wieder durch. Zwar nicht beim strengen Papa, aber in ihrer Mutter hat sie eine heimliche Verbündete, die ihr allerlei durchgehen lässt. Mama will doch nur, dass ihr Mädchen glücklich ist. Also sorgt sie dafür, dass Zelda nicht nur zu zweifelhaften Tanzvergnügen geht, sondern auch mit einem seriösen Ballett-Auftritt für die jungen Soldaten glänzen kann, die in Kürze nach Europa in den Krieg ziehen werden. Darunter auch der schneidige Leutnant F. Scott Fitzgerald (David Hoflin), der nach dem Krieg ein berühmter Schriftsteller werden will.

Scott verliebt sich sofort in die hübsche Tänzerin, doch die hat einen ganzen Schwarm von Verehrern und lässt sich zwar von Scott den Hof machen, lehnt seinen Antrag aber ab – obwohl er witzig und gebildet ist. Aber er ist eben auch ein Angeber, er trinkt und es ist völlig unklar, ob er von seinen Schriftsteller-Träumen jemals eine Familie unterhalten können wird. Insofern ist Zelda dann doch weniger durchgeknallt, als ihr Vater denkt, offensichtlich legt sie doch Wert auf Solidität und bandelt mit einem lokalen Langweiler aus einer guten Familie an.

Doch Scott gibt nicht auf. Er nimmt einen Brotjob in einer New Yorker Werbeagentur an und schreibt einen Roman (This Side of Paradise), der tatsächlich ein grandioser Erfolg wird. Scott holt Zelda nach New York, wo sie in so schnell heiraten, dass eine der eigens angereisten Schwestern die Zeremonie verpasst. Die anschließende Party in der Hotelsuite, in der Scott sich eingemietet hat, ist sogar für Zelda verstörend – da benehmen sich lauter Menschen daneben, die sie überhaupt nicht kennt.

Hier zeichnet sich schon ab, dass das wilde, aufregende Leben an der Seite des schillernden Scott vielleicht doch nicht das ist, was Zelda sich erhofft hat. Trotzdem lügt sie ihrer Mutter am Telefon die Hucke voll, damit die sich keine Sorgen macht. Zelda schafft es auch, sich in dieser Bohème-Szene eine gewisse Aufmerksamkeit zu verschaffen, aus der sie Kapital zu schlagen versucht – doch stellt sich heraus, dass Scott sich zwar damit abfinden kann, dass Zelda kein Heimchen am Herd ist, und haushaltstechnisch Hilfe braucht, die er ihr auch verschafft, aber gleichzeitig verwehrt er ihr das, was er für sich selbst als völlig selbstverständlich empfindet: Karriere zu machen.

Scott hat überhaupt keine Skrupel, Zeldas Aufzeichnungen für seine eigenen Werke zu benutzen – nach meinen Recherchen stammen eine ganze Reihe von Geschichten, die unter seinem Namen veröffentlicht wurden, tatsächlich von ihr – doch Zeldas Bestrebungen, sich selbst einen Namen als Künstlerin zu machen, findet er lächerlich: Das ist etwas für Männer. Vermutlich fürchtet er sich nicht zu unrecht davor, dass Zelda ihm Konkurrenz in seiner Profession machen könnte.

Doch er unterminiert auch ihre Anstrengungen, sich in anderen Bereichen einen Namen zu machen – als Zelda das Angebot bekommt, nach Hollywood zu gehen und eine Karriere als Schauspielerin zu beginnen, ist Scott dagegen: „Ohne Ausbildung, Erfahrung und Beziehungen? Die fragen dich doch nur, weil du meine Frau bist?!“ Und auch mit dem Ballett klappt es nicht, obwohl Zelda in dem Bereich ja durchaus eine Ausbildung hat und ihr Training wieder aufnimmt. So gern sich Scott mit Zelda schmückt – ihm ist es wichtig, dass sie als seine originelle und geistreiche Frau wahrgenommen wird, aber nicht als eigenständige Größe.

Insofern ist kaum verwunderlich, dass Zelda einen viel zu großen Anteil ihrer relativ wenigen Jahre in psychiatrischen Einrichtungen verbracht hat – das war früher sehr oft die Antwort auf Nonkonformität: wer sich gesellschaftlichen Gepflogenheiten nicht unterwerfen will, muss verrückt sein. Und eine Frau, die einen erfolgreichen Künstler heiratet und dann auch noch selbst Erfolg haben will, muss ja wohl doppelt verrückt sein. Auch wenn das verrückte Genie von Ehemann nicht mit Geld umgehen kann und lieber trinkt als schreibt. Das haben Frauen halt zu erleiden – sie können gern aus dem Hintergrund das Schlimmste verhindern, aber wehe, sie wollen dafür auch noch Anerkennung.

Zwar har sich inzwischen einiges geändert, aber leider noch längst nicht genug. Insofern ist Z – The Beginning of Everything eine interessante gesellschaftliche Studie der 20er Jahre des vorherigen Jahrhunderts, die daran erinnert, dass es noch einiges zu tun gibt. Weshalb ich sie unbedingt empfehle, auch wenn die Handlung vielleicht doch ein bisschen zu sehr vom einstigen Ruhm ihrer Protagonisten zehrt und nicht von einem originellen und überraschendem Drehbuch. Aber weil Amazon Serien gern im praktischen 27-Minuten-Format produziert, ist der Zeitaufwand für die 10 Teile durchaus überschaubar.

Hidden Figures

Na bitte, geht doch – Hollywood-Kino ohne Superhelden, wortkarge Rächer oder durchgeknallte Teenager. Hidden Figures war einer der Filme, auf die ich mich in diesem Jahr ganz besonders gefreut hatte. Und tatsächlich konnte er vieles von dem, was ich erwartet habe, einlösen. Vor allem gab es eine grandiose Taraji P. Henson zu sehen – schon in Person of Interest fand ich sie bemerkenswert, aber seit Empire bin ich bekennender Cookie-Fan. Auch wenn die eben so geniale wie disziplinierte Mathematikerin Kathrine Johnson ein ganz anderer Typ ist als die vulgäre, aber ebenfalls begabte und durchsetzungsstarke Musikproduzentin Cookie Lyon, die nach 17 Jahren im Gefängnis ihren Anteil an Empire fordert, das sie mitbegründet hat.

Doch zurück zu Hidden Figures. Zwar haben meine Recherchen ergeben, dass die Lebensgeschichten der NASA-Angestellten Kathrine Johnson, Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) und Mary Jackson (Janelle Monaé) aus dramaturgischen Gründen nicht sehr wirklichkeitsnah erzählt werden – die drei waren keineswegs beste Freundinnen, wie der Film suggeriert, vermutlich kannten sie sich, wenn überhaupt nur flüchtig, schließlich war die NASA zu jener Zeit ein gigantisches Unternehmen. Aber im Grunde ist das auch egal, es geht schließlich um den Zeitgeist, der anhand dieser Geschichte offenbar wird.

Hidden Figures: : Mary Jackson (Janelle Monáe) Katherine Johnson (Taraji P. Henson) und Dorothy Vaughan (Octavia Spencer)Hidden Figures: : Mary Jackson (Janelle Monáe) Katherine Johnson (Taraji P. Henson) und Dorothy Vaughan (Octavia Spencer)

Hidden Figures: : Mary Jackson (Janelle Monáe) Katherine Johnson (Taraji P. Henson) und Dorothy Vaughan (Octavia Spencer)

Hidden Figures ist kein Dokumentar-, sondern ein Spielfilm – hier geht es nicht darum, die Biografien der drei Hauptpersonen möglichst realitätsnah wiederzugeben. Vielmehr wird eine Geschichte erzählt, die aus dem Leben in jener Zeit gegriffen ist: Es werden beispielhaft die Lebensgeschichten dreier afroamerikanischer Frauen erzählt, die versuchen, entgegen aller Hindernisse, die ihnen die Gesellschaft in den Weg stellt, einen guten Job zu machen. Und, schließlich sind es Frauen, Arbeit und Familie unter einen Hut zu bekommen.

Denn haben sie alle drei einen Traumjob ergattert: Sie dürfen an den Mercury- und Apollo-Programmen der NASA mitarbeiten! Das ist eine ganz große Sache, das erkennt sogar der Südstaaten-Cop, der die drei am Anfang des Films überprüft – drei schwarze Frauen, die eine Autopanne haben, das ist per se verdächtig. Doch die drei wirken seriös und kompetent – was sie auch sind, die in Mechanik begabte Dorothy kriegt den alten Schlitten auch wieder zum Laufen, sie werden sogar mit polizeilichem Geleitschutz auf der Überholspur zur Arbeit geleitet – vermutlich, weil der weiße Bulle wissen will, ob die NASA tatsächlich schwarze Frauen einstellt. Aber die NASA tut es – und wenn das so ist, dann muss das richtig und wichtig sein, schließlich geht es darum, die verdammten Commies auf dem Weg zum Mond noch zu überholen. Dazu ist jedes Mittel recht.

Der Sputnik-Schock im Jahr 1957 hatte die USA gedemütigt – dass die verhasste UdSSR einen Satelliten in eine Erdumlaufbahn bringen konnte und 1961 mit Juri Gagarin auch noch den ersten Menschen ins All schickte, hatte den Überlegenheitswahn der US-Amerikaner erheblich gedämpft. Nun wollten die USA, koste es, was es wolle, beweisen, dass sie technologisch weiterhin die überlegene Führungsmacht wären und legten entsprechend größenwahnsinnige Raumfahrtprogramme auf. Dafür wurden sämtliche verfügbaren Talente gebraucht – selbst wenn sie weiblich und schwarz waren.

Hidden Figures: : Mary Jackson (Janelle Monáe) Katherine Johnson (Taraji P. Henson) und Dorothy Vaughan (Octavia Spencer)

Hidden Figures: : Mary Jackson (Janelle Monáe) Katherine Johnson (Taraji P. Henson) und Dorothy Vaughan (Octavia Spencer)

Denn dass die Sowjets unter anderem deshalb so erfolgreich waren, weil sie viel in die Volksbildung investierten und eben nicht nach Geschlecht und Herkunft diskriminierten, hatten die Amis schon mitbekommen, auch wenn ihnen das nicht gefiel. Was aber keineswegs bedeutete, dass diese rassistische und sexistische Diskriminierung nun aufgeben wurde. Das ist sie bis heute noch immer nicht – ja, es gab einen US-Präsidenten, der ein farbiges Elternteil hatte, aber genau besehen, ist Barack Obama kein Schwarzer, sondern ein Mischling, der genauso weiß wie schwarz ist. Und eine US-Präsidentin gibt es bislang nur in Fernsehserien, nicht aber im wahren Leben. Stattdessen haben die Leute kürzlich einen alten weißen Fascho und Rassisten als neuen US-Präsidenten gewählt. Es ist also nichts wirklich besser geworden.

Insofern finde ich es jetzt besonders wichtig, dass diesen Frauen mit Hidden Figures eine total überfällige Anerkennung zuteil wird. Sämtliche im Film gezeigten Schikanen gegen Schwarze waren zu der Zeit leider völlig normal – auch wenn die drei Frauen, um die es hier geht, bei der NASA laut eigenen Aussagen tatsächlich nicht so viel davon mitbekommen haben. Zwar gab es nicht nur nach Geschlecht, sondern auch nach Rassen getrennte Toiletten und Kaffeeküchen, aber darüber haben sich die farbigen Angestellten schon damals hinweggesetzt, ohne dass es irgendwelche negativen Folgen für sie gehabt hätte. Genau diesen Part haben die Filmemacher aber bewusst überzeichnet, eben um zu zeigen, wie hirnrissig diese Schikanen waren und sind. Und so greift schließlich der unter enormen Zeitdruck stehende Direktor Al Harrison (Kevin Costner) zum Vorschlaghammer, um die diskriminierende Beschilderung über den Damentoiletten zu entfernen – er kann es sich nicht leisten, für jeden Toilettengang seiner besten Mathematikerin 40 wertvolle Minuten zu verlieren.

Die Computertechnik steckte noch in den Kinderschuhen – heutzutage, wo sich jeder die Rechenleistung zahlreicher antiker Mainframe-Rechner mit seinem Smartphone in die Tasche stecken kann, ist das schwer vorstellbar – aber früher musste man vieles tatsächlich „zu Fuß“ ausrechnen – ich habe in meiner Schulzeit noch gelernt, wie gedruckte Logarithmus oder Wurzeltabellen zu nutzen sind. In der Serie Manhattan gibt es ebenfalls einen „Rechner“, nämlich ein Büro voller engagierter Frauen, die quasi per Rechenschieber die komplizierten Berechnungen für die Physiker ausführen, die herauskriegen wollen, wie man am besten eine Atombombe zur Zündung bekommt. Im Grunde war das auch in der Zeit, in der Hidden Figures spielt, nicht viel anders – allerdings waren die mechanischen Hilfsgeräte ausgefeilter und es gab erste Großrechner – die so groß waren, dass auch hier wieder der Vorschlaghammer zum Einsatz kam, weil die Bauteile nicht durch die Tür des Computerraums passten.

Dorothy Vaughan, die faktisch Abteilungsleiterin für eine Gruppe farbiger Mathematikerinnen ist, erkennt sofort, dass die neue IBM-Maschine nicht nur die Zukunft, sondern auch eine Bedrohung für ihren und die Jobs ihrer Mädels ist: Sie beschließt, zu lernen, wie man solche Maschinen programmiert und empfiehlt das auch ihren Kolleginnen: „Lernt Mädchen, macht euch unentbehrlich!“ Aber auch das Lernen wird den Frauen nicht leicht gemacht – als Dorothy sich in der Stadtbibliothek ein Buch über FORTRAN ausleihen will, wird sie rausgeworfen, weil sie in der Abteilung für Weiße danach gesucht hat. In der Abteilung für Farbige gibt es so etwas nämlich nicht. Doch die resolute Dorothy hat das Buch einfach eingesteckt. „Schließlich zahle ich meine Steuern“, erklärt sie ihren Kindern, „und davon werden diese Bücher gekauft. Wie kann ich etwas stehlen, das ich schon bezahlt habe?“

Ähnlich ergeht es auch Mary Jackson, die Ingenieurin werden und an der Konstruktion der Raumkapsel für die nächsten Mission mitarbeiten will. Ihr Abteilungsleiter Karl Zielinksi (Olek Krupka), ein Jude polnischer Herkunft, dessen Eltern im KZ ermordet wurden, ermutigt sie, daran festzuhalten: „Wenn Sie ein Mann wären und weiß, würden Sie da Ingenieur werden wollen?“ Und Mary antwortet: „Dann müsste ich es nicht mehr wollen, weil ich es schon wäre!“ Mary erstreitet sich schließlich den Zugang zu der einzigen Hochschule in Virginia, die genau die Kurse anbietet, die sie für ihre Qualifikation braucht, vor Gericht. Noch in den 60er Jahren wurden im Land der unbegrenzten Möglichkeiten weite Teile der Bevölkerung aufgrund ihrer Hautfarbe von einer Hochschulbildung ausgeschlossen.

Wobei nicht vergessen werden sollten, dass auch hierzulande noch über Frauenquoten in Unternehmensvorständen diskutiert werden muss, weil Frauen im Berufsleben noch immer systematisch benachteiligt werden – und was für weiße Mitteleuropäerinnen gilt, gilt um so mehr auch für farbige oder gar für  Kopftuchträgerinnen. Und aus eigener Erfahrung weiß ich, dass Arbeitgeber Frauen prinzipiell nicht so ernst nehmen wie Männer – ich habe selbst jahrelang eine Leitungstätigkeit ausgeübt, ohne ein entsprechendes Gehalt dafür zu bekommen. Aber es war halt niemand sonst da, der den Job gemacht hätte.

Genau wie bei Dorothy, die zwar aus dem Bewusstsein ihrer Verantwortung für die anderen und für die Sache heraus den Job eines Supervisors erledigt, aber nicht dafür bezahlt wird. Es war halt nicht vorgesehen, dass jemand wie sie (oder ich) Führungskraft sein kann – das gilt offenbar für schwarze und weiße Frauen gleichermaßen. Und erst, als ein sehr viel jüngerer Kollege mit sehr viel weniger Berufserfahrung eingestellt wurde, der auf Anhieb mehr bekommen hat, als ich nach vielen Jahren treuer und aufopferungsvoller Dienste, ist mir der Kragen geplatzt. Wobei das auch nicht nachhaltig geholfen hat. Aber die Zeiten sind schlecht. Heute wie damals geht es darum, den Job zu behalten.

All die weißen Männer... Hidden Figures

All die weißen Männer… Hidden Figures

Doch zurück zur in die 60er und zur NASA. Hidden Figures zeichnet ein Panorama jener Zeit, das trotz der wirklich haarsträubenden Ungerechtigkeiten, die thematisiert werden, erstaunlich unterhaltsam ist. Was Gleichheit die Stärke und die Schwäche dieses Films ist: Ja, es ist eine wirklich gute Idee gewesen, kein moralinsaures Drama aus dieser Geschichte zu machen – das hätte bei aller guten Absichten gewiss nicht nur mich total genervt. Insofern war geschickt, die ewig langen Wege, die Katherine zum abgelegenen Klo für schwarze Frauen zurücklegen muss, mit unterhaltsamer Tanzmusik der 60er Jahre zu unterlegen. Überhaupt finde ich den Soundtrack gelungen, obwohl das nicht unbedingt meine Lieblingsmusik ist – auf diese Weise wird vermittelt, was diese Zeit eben auch hatte: Eine gewisse Aufbruchstimmung und Zuversicht in die Zukunft – die Leute damals gingen davon aus, dass sie sich dafür krumm legen, dass es künftigen Generationen besser gehen wird.

Das ist ein nicht zu unterschätzender Antrieb. Darum beneide ich die Generationen vor mir. Heute müssen wir davon ausgehen, dass es den künftigen Generationen schlechter gehen wird. Das ist schon jetzt sehr deutlich zu spüren. Ja, Zukunft war wirklich schon mal besser.

Es ist gut, dass Hidden Figures den bisher unbekannten Kämpferinnen für eine bessere Zukunft ein Denkmal setzt. Ich persönlich – und das empfinde ich als die Schwäche des Films – hätte mir ein paar mehr Details gewünscht. Der Vorspann erzählt in sehr groben Zügen etwas über die Kindheit von Katherine – aber ich hätte auch gern mehr über Dorothy und Mary erfahren. Genau wie ich auch gern mehr über Colonel Jim Johnson (Mahershala Ali) wüsste, der schließlich erfolgreich um die Hand der brillanten Witwe Katherine anhält. Und auch darüber hätte ich gern mehr gewusst – wer war der Vater von Katherines Töchtern? Ich weiß, das ist komplex, aber als geübter Zuschauerin hätten mir ein paar kurz eingestreute Hinweise genügt – hier finde ich den Film dann doch etwas unterkomplex.

Andererseits ist das auch okay, Filme, die jede Menge Geschichten anreißen ohne sie zu erzählen, nerven mich auch – das prominenteste Beispiel dafür dürfte Cloud Atlas sein. Hidden Figures geht okay als unterhaltsamer Film über eine hässliche Seite des amerikanischen Traums. Und auch als ebenso unprätentiöses wie überfälliges Heldinnen-Biopic. Aber ein epochemachendes Meisterwerk ist der Film nicht. Und das ist nichtmal schade, weil: Ansehen lohnt sich doch. Übrigens spielen auch Kirsten Dunst und Jim Parsons mit – in nicht gerade vorteilhaften Rollen. Figuren eben, die entgegen aller Evidenz an der Überlegenheit der weißen Rasse festhalten. Auch wenn ihnen das vermutlich gar nicht bewusst ist.

Incorporated: Erschreckend aktuell

Und noch einmal Science Fiction – ich habe mit der Syfy-Serie Incorporated angefangen und musste mir gleich sechs oder sieben Folgen des 10-Teilers ansehen. Die Serie passt erschreckend gut zu dem, was sich nun als hysterisch-düsterer Ausblick auf ein mehrjähriges Trump-Regime abzeichnet: Die Menschen werden durch Mauern und Checkpoints getrennt und Regierungen spielen keine Rolle mehr. Dafür übernehmen mächtige Konzerne sämtliche Aufgaben, die eigentlich mal Sache des Staates waren, von Bildung über Gesundheit bis hin zu Ordnung und Sicherheit. Denn die US-Regierung versagte kläglich, ihre Bevölkerung vor den Folgen des Klimawandels zu schützen. (Von dem ja gewisse Leute noch immer  behaupten, dass es den gar nicht geben würde.) Jetzt ist alles in der Hand privater Konzerne, die natürlich vor allem ihre eigenen Interessen wahrnehmen: Sie definieren, was wichtig und was richtig ist, die Menschen, die sie nicht für ihre Zwecke brauchen, überlassen sie ihrem Elend.

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Incorporated spielt im Jahr 2074: Durch Naturkatastrophen infolge des Klimawandels wurden die an den Küsten gelegenen alten Zentren wie New York oder Los Angeles zerstört, weite Teile der USA sind inzwischen Salzwüste. Im noch immer grünen Milwaukee liegt die Zentrale des Spiga-Konzerns, der eigentlich mal ein Saatgut-Konzern war – Monsanto lässt grüßen – aber nun eben alles macht, was man unter Life Science verstehen kann. Entsprechend werden auch alle Angestellten ständig überwacht und allen möglichen Screenings unterzogen. Gesundheit ist erste Bürgerpflicht – dazu kommt, dass die Konzerne eifersüchtig über ihr geistiges Eigentum wachen, auch über das, was sich in den Köpfen ihrer Angestellten befindet.

Und Fortpflanzung ist auch nur noch mit ausdrücklicher Genehmigung erlaubt, denn erstens sind die Ressourcen knapp und zweitens soll der ganze Aufwand nur für optimalen Nachwuchs betrieben werden. Die Karriere-Leute im Konzern setzen deshalb gern auf Leihmütter, denen Designer-Embryonen eingesetzt werden. Wer sich auf die althergebrachte Weise fortpflanzen will, muss seine Gene noch mal extra untersuchen lassen und sobald irgendwie Risikofaktor auftaucht, auf sämtliche Versicherungsleistungen verzichten, falls etwas schief geht. Doch das gilt nur für die Happy Few, die in der Komfortzone leben. Abseits dieser, von Großunternehmen kontrollierter Green Zones gibt es die Red Zones, die praktisch rechtsfreier Raum sind.

Aaron 7 Ben Larson (Sean Teale) Bild: syfy.com

Aaron 7 Ben Larson (Sean Teale) Bild: syfy.com

In Incorporated trifft also 1984 auf Blade Runner, nur dass die Überwachung der Menschen noch sehr viel perfekter funktioniert, als George Orwell sich das vorstellen konnte, und das Elend in den übervölkerten Flüchtlingslagern an den Rändern der Red Zones noch viel deprimierender ist als die dystopische Kulisse der heruntergekommenen Megametropole in Blade Ranner. Millionen von Amerikanern vegetieren in diesen Slums vor sich hin, aber es gibt keinen Staat mehr, der sich um all die Klimaflüchtlinge kümmert. In einer Folge gibt es als Vorspann einen chinesischen Werbespot, in dem um Spenden für die armen Kinder in den USA gebeten wird – offenbar sind die Chinesen mit dem Klimawandel besser klar gekommen als die Amis, die weitgehend sich selbst überlassen wurden.

Aaron und Theo in der Red Zone Bild: syfy.com

Aaron und Theo in der Red Zone Bild: syfy.com

Doch eigentlich geht es um den Spiga-ITler Ben Larson (Sean Teale), der eigentlich Aaron heißt und aus einer Red Zone kommt – was aber niemand wissen darf. Die Bewohner der Red Zones sind Parias, sie werden höchstens für niedere Arbeiten herangezogen. Ben jedoch ist ein sehr guter Programmierer, weshalb er bei Spiga Biotech Karriere machen kann – er hat sich einen perfekten Lebenskauf gefälscht. Und dann hat er auch noch die Tochter der Konzern-Chefin geheiratet. Laura (Allison Miller) ist eine auf kosmetische Chirurgie spezialisierte Ärztin. Laura hat allerdings kein so richtig gutes Verhältnis zu ihrer Mutter Elizabeth Krauss (Julia Ormond), die CEO von Spiga ist – natürlich hat das einen Grund.

Doch zurück zu Aaron bzw. Ben – Ben Larson hat Spiga unterwandert, weil er auf der Suche nach Elena Marquez (Denise Tontz) ist, seiner Jugendliebe, die er im Flüchtlingscamp kennen gelernt hat. Elena hat auch noch einen kleinen Bruder, Theo, der in der Red Zone versucht, Karriere als Martial-Arts-Kämpfer zu machen, was natürlich extrem tough ist, denn er ist eher klein und schlecht ernährt und kommt gegen die mit Blutwäschen und optimaler Proteinzufuhr gepimpten Corporate-Jungs nur durch den Einsatz illegaler und gefährlicher Substanzen an.

Elizabeth Krauss (Julia Ormond) und Laura (Allison Miller) Bild: syfy.com

Elizabeth Krauss (Julia Ormond) und Laura (Allison Miller) Bild: syfy.com

Mit ähnlichen Mitteln hat die schöne Elena vor Jahren auch versucht, ein Stipendium fürs College zu bekommen – für das sie sich mit leistungssteigernden Drogen parallel zu ihrem Job in der Kneipe ihres Vaters mit Super-Learning-Kursen vorbereitet hat. Aber sie scheiterte knapp. Ein Spiga-Scout war auf sie aufmerksam geworden – sie suchte schöne Mädchen für das legendäre Arcadia. Was ein sehr exklusiver Club für höherrangige Spiga-Manager ist. Die wiederum stehen unter so gnadenlosem Erfolgsdruck, dass die Selbstmordrate bedenkliche Höhen erreichte. Doch durch den Einsatz der Arcadia-Mädchen konnte sie signifikant gesenkt werden. Die müssen natürlich nicht nur schön, sondern auch smart sein – genau wie Elena.

Und weil Spiga – und natürlich auch die Konkurrenz – wahnsinnig darauf versessen ist, ihr geistiges Eigentum zu schützen, müssen die Mädels einen entsprechenden Vertrag unterzeichnen: Wenn sie sich verpflichten, bekommen sie eine neue Identität und werden verhältnismäßig gut bezahlt, sie bleiben aber für den Rest ihres Lebens Eigentum der Firma. Denn wer weiß, was gestresste Manager beim Sex so alles erzählen. Wenn ein Date außer Kontrolle gerät, werden hässliche Erinnerungen gelöscht und die Medizin ist inzwischen auch so weit, dass so ziemlich alles repariert werden kann – so gibt es Sprühpflaster, mit dem Wunden in wenigen Minuten ohne Narben zu hinterlassen wieder verschwunden sind.

Moderner Fernunterricht Bild: syfy.com

Moderner Fernunterricht Bild: syfy.com

Theo und Aaron haben sich in den Kopf gesetzt, Elena aus diesem Leben als Sexsklavin für die Spiga-Bosse zu befreien und nehmen dafür extreme Risiken in Kauf – wenn Aaron bzw. Ben auffliegt, ist nicht nur seine Karriere vorbei, ihm droht dann sehr viel Schlimmeres. Und Theo hat als Bewohner einer Red Zone ohnehin nichts zu lachen – er muss jeden Tag sehen, wie er überlebt. Aus seiner Perspektive ist ein Leben in einer Green Zone ein Leben im Paradis.

Doch so schön ist es dort tatsächlich auch nicht: Das Spiga-Universum ist wie ein faschistischer Staat organisiert. Das Leben in einer Green Zone ist zwar ein von materiellen Sorgen freies Leben, aber dafür auch eins unter allumfassender Kontrolle, ein Abweichen von der Norm gilt als unverzeihliches Verbrechen. Der Konzern sorgt zwar gut für einen, aber er reguliert alles bis in die privatesten Bereiche hinein. Und schon der kleinste Fehler kann verhängnisvoll werden: Fällt einer der Manager in Ungnade, verliert die komplette Familie sämtliche Privilegien und wird in einem Lager interniert.

Auch wenn die Geschichte durchaus Schwächen aufweist und ich die Figuren alles in allem dann doch ganz schön klischeehaft finde – vielschichtige Charaktere, die eine interessante Entwicklung durchlaufen gibt es hier nicht, dafür aber eine Reihe karrieregeiler Anzugsträger und -trägerinnen und einen Helden, der seine zweifellos vorhandene Brillanz für ein sehr persönliches Ziel einsetzt, wo es doch noch sehr viel bessere Gründe gäbe, Spiga zu unterwandern – nun ja.  Das Ansehen lohnt sich aber aufgrund der erschreckenden Aktualität der behandelten Themen aber doch.

Theo Marquez (Eddie Ramos) Bild: syfy.com

Theo Marquez (Eddie Ramos) Bild: syfy.com

Jede Regierung lügt

In der Arte-Mediathek gibt es noch bis zum 16. Februar die kanadische Doku Jede Regierung lügt, die von Oliver Stone und Jeff Cohen produziert wurde. Die lohnt es sich auf jeden Fall ansehen, schon weil Lügen-Präsident Donald Trump darin entsprechend eingeordnet wird – er erscheint derzeit zwar als besonders drastischer Fall, aber das dürfte eher auf das extrem ungeschickte Agieren seiner Sprecher zurückzuführen sein. Noch hat er sein Land nicht in einen Krieg gelogen, wie so mancher US-Präsident zuvor. Und, da sollte man sich nichts vormachen, auch ein Barack Obama und eine Hillary Clinton lügen sich und den anderen ständig etwas vor, nur tun sie das geschickter und nicht so offensichtlich wie der Donald das mit seinen Kinderlügen tut. Er muss halt immer den größten und längsten haben – im Grunde müsste man froh sein, dass er sich an solchen Nichtigkeiten abarbeitet, da wäre sehr viel Schlimmeres denkbar. Ansonsten ist er leider vergleichsweise ehrlich: Er setzt konsequent um, was er im Wahlkampf angekündigt hat – Ausländer raus, Obamacare abschaffen, Bildungssystem ruinieren, Steuern für Reiche senken und Arme dafür zahlen lassen – kann keiner behaupten, dass man das nicht hätte wissen können.

Screenshot Jede Regierung lügt

Screenshot Jede Regierung lügt

Doch ich schweife ab, denn darum geht es in der Doku gar nicht. Hier geht es eher darum, dass Donald Trump erstaunlicherweise Erfolg hat, obwohl er kein bisschen auf die Forderungen jener enttäuschten Verlierer eingeht, die ihn offenbar massenweise gewählt haben (ich weiß, Hillary hatte ein paar Millionen Stimmen mehr, aber es waren ja offenbar noch genug Verlierer für Trump übrig). Kritische Medienanalyse dazu: Fakten spielen keine Rolle. Trump hat geschafft, wofür in Deutschland Die Partei vor gut zehn Jahren angetreten ist: Inhalte überwinden.

Aber auch das kommt in dieser Doku nicht vor. Und leider geht diese sehr engagierte Doku auch leider überhaupt nicht darauf ein, WARUM jede Regierung lügt, ja, lügen muss!

Was nicht heißt, dass man sich die Zeit dafür sparen sollte, im Gegenteil. Sie liefert ja eine Menge Munition, nur wird sie leider ziellos verschossen. Hier geht es darum, zu erklären, dass man echten, kritischen Journalismus braucht, um all die Lügen aufzudecken. Denn die Mainstreammedien tun das nicht, diese Analyse ist durchaus korrekt. Die sind ja als Unternehmen darauf angewiesen, aus ihren Nachrichten ein Geschäft zu machen – also berichten sie über genau die Dinge, die Auflage, Reichweite und gute Quote versprechen.

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Screenshot Jede Regierung lügt

Und nicht über die Dinge, die unangenehm und ärgerlich sind. Wie Massengräber in Texas, in denen hunderte von illegalen Einwanderern verscharrt wurden. Aufrechte Journalisten regen sich zu recht darüber auf, dass das keinem der großen Sender und Medienverlage eine Meldung wert gewesen ist, statt dessen würde lieber gemeldet, dass Kim Kardashian im Central Park in eine Pfütze getreten sei. Und so wird eben auch nicht über Umweltskandale, oder Missstände in den Sozialsystemen, die Kriege, die von freiheitlich-demokratischen Regierungen vom Zaun gebrochen und unterstützt werden und so weiter berichtet – denn das will ja keiner wissen, meinen die Chefs. Wer will denn abends zur Entspannung Blut und Elend sehen. (Und warum dann die ganzen Krimis?! Nur so als ketzerische Überlegung)

Diese Doku beschreibt einen Ist-Zustand – natürlich ist das alles schlimm. Und es wird auch ganz gut erklärt, wie das mit der Selbstbestätigung der Medien (eine elaborierte Art der Filterblase) funktioniert, weil eben nur die Journalisten nach oben kommen, die sagen und schreiben, was die Chefs hören und lesen wollen. Und die haben es gern staatstragend und nicht kritisch. Denn das herrschende System ist ja das einzige denkbare. Insofern soll irgendwie schon „kritisch“ berichtet werden, aber es ist eben nur die Kritik zugelassen, die nicht an bestehenden Verhältnissen rüttelt, sondern sie bestätigt. Und im herrschenden System ist der Gedanke, dass die Welt untergeht, eher akzeptiert, als der Gedanke, dass der Kapitalismus vielleicht doch nicht das beste aller möglichen Systeme ist.

Screenshot Jede Regierung lügt

Screenshot Jede Regierung lügt

Und so heißt es auch hier: Wenn sich alle an die Regeln halten würden, wäre alles besser. Insofern ist nur logisch, dass der Wahlsieg von Trump für die etablierten Medien so ein Schock war – sie haben genau das gemeldet, was sie melden wollten, hier war die gefühlte Wahrheit tatsächlich noch realer als die Realität. Aber ich bin schon wieder ganz wo anders – aber trotzdem sage ich: Schaut euch diese Doku an. Sie öffnet eine Tür, aber weiter denken muss man dann halt selbst.

Es kommen eine Reihe Journalisten zu Wort, die für unabhängige Medien arbeiten, und natürlich finde ich es gut und wichtig, über ihre Arbeit zu berichten. Genau wie es gut und wichtig ist, diese ganzen Lügen aufzudecken. Trotzdem wundert mich, dass eine entscheidende Frage nicht gestellt wird: WARUM lügen alle Regierungen?

Screenshot Jede Regierung lügt

Screenshot Jede Regierung lügt

Die Antwort auf die Frage bleiben die Macher uns schuldig, also versuche ich mich mal daran: Weil alle Regierungen gegen die Interessen einer riesigen Mehrheit von Leuten handeln – nämlich so ziemlich aller außer den paar Superreichen, die von den Verhältnissen profitieren, die Mithilfe der ganzen Lügen sämtlicher Regierungen eingerichtet wurden.

Denn ganz offensichtlich sind die Verhältnisse gar nicht so, wie behauptet wird: Es geht eben nicht um das Wohl der Menschen, sonst wären die ganzen Lügen doch überhaupt nicht nötig. Wenn es darum ginge, allen Menschen ein auskömmliches Leben zu ermöglichen, bräuchte man weder Kriege, noch Mauern oder schärfere Einwanderungsgesetze, dann würde man sich eben zusammen hinsetzen und überlegen, wie man das sinnvoll organisiert.

Aber genau das passiert nicht.

Ich wünsche mir ein paar kritische Journalisten, die genau hier ansetzen: Was müssen wir tun, damit Regierungen nicht mehr lügen müssen? Die Antworten darauf werden vielen erstmal nicht gefallen. Aber irgendwo muss man doch anfangen.

Arrival: Warum sind sie hier?

Was Science-Fiction-Filme angeht, habe ich leider schon lange keinen guten mehr gesehen – obwohl es in der letzten Zeit durchaus einige gab, die auf ihre Weise zumindest interessant waren, Der Marsianer beispielsweise oder Interstellar. Und noch schlimmer wird es, wenn Aliens auftauchen – dann gibt es eigentlich nur noch Krieg und Zerstörung. Auf die Idee, dass auch mal Besucher vorbei kommen könnten, die weder die Erde zerstören, noch die Erdlinge versklaven und ausbeuten wollen, scheint kaum ein Filmemacher zu kommen – aber wie auch, wenn das einzig anerkannte, inzwischen global auf unserem Planeten praktizierte Wirtschaftssystem auf Ausbeutung und Konkurrenz beruht, statt auf Kooperation und gegenseitiger Anerkennung.

Um so erstaunlicher eigentlich, dass mit Arrival nun doch ein neuer Science-Fiction-Streifen in die Kinos gekommen ist, der von Außerirdischen handelt, die den Menschen gar nichts tun wollen. Wobei das ja lange Zeit nicht so richtig klar wird – in dem Film des kanadischen Regisseurs Denis Villeneuve geht es vor allem darum, wie man mit Wesen kommuniziert, von deren Art der Kommunikation man überhaupt keinen Schimmer hat.

Arrival: Merkwürdiges Flugobjekt in Montana

Arrival: Merkwürdiges Flugobjekt in Montana Bild: Apple Trailer

Die Menschen haben untereinander ja schon erhebliche Kommunikationsprobleme – und die heutige Art hysterischer Live-Berichterstattung mit all ihren Irrungen und Wirrungen (oder auf Neusprech fake news und alternative facts) macht die Sache auch nicht besser. Insofern ist Dr. Louise Banks (Amy Adams) eine in ihrer Ernsthaftigkeit schon ziemlich aus der Zeit gefallene Wissenschaftlerin – genau wegen dieser Eigenschaft gelingt es ihr schließlich aber auch, die rätselhafte Sprache der Ankömmlinge zu entschlüsseln. Dabei bekommt sie anfangs nicht mal mit, dass die Aliens auf der Erde landen – sie wundert sich nur, dass so wenig Studenten in ihre Vorlesung gekommen sind. Die dann auch noch gebannt auf ihre Laptops starren, anstatt sich anzuhören, was ihre Dozentin über die Besonderheiten des Portugiesischen zu berichten hat. Aber als Zuschauer weiß man ja ohnehin noch nicht so richtig, woran man ist, denn im Schnelldurchlauf wurde als Vorspann gezeigt, dass Dr. Louise Banks gerade ihre Tochter verloren hat, die als junge Frau an irgendeiner Krankheit gestorben ist.

Doch dann geht es richtig los: Kampfjets und Hubschrauber lärmen, die USA machen mobil und die Linguistin, die bereits mehrfach für die US-Regierung gearbeitet hat, wird als Expertin beauftragt, mit den frisch gelandeten Aliens Kontakt aufzunehmen. Gemeinsam mit dem Physiker Ian Donnelly (Jeremy Renner) leitet Louise ein Team, das herausfinden soll, wer die Ankömmlinge sind, woher sie kommen und was sie vor haben. Weltweit sind zwölf der eigenartigen Schiffe gelandet, die ihrer Form wegen als „Muscheln“ bezeichnet werden, auch wenn sie nicht wirklich wie Muscheln aussehen – sondern eher wie rätselhafte, einen halben Kilometer hohe Designobjekte, die knapp über der Erdoberfläche schweben. In den elf anderen betroffenen Ländern arbeiten ebenfalls Expertenteams an einer Kontaktaufnahme – aber nicht alle haben die Mittel und die Geduld der Amerikaner, was sich noch als zunehmend problematisch herausstellen wird. Zumal das US-Militär eigentlich auch nicht dermaßen geduldig ist.

Dr. Louise Banks (Amy Adams) Bild: Arrival Trailer (Youtube)

Dr. Louise Banks (Amy Adams) Bild: Arrival Trailer (Youtube)

Alle 18 Stunden öffnet sich eine Tür in dem sonst mit keinerlei sichtbaren Öffnungen versehenen Raumschiff, das über einem Tal in Montana schwebt, durch die das Team ins Innere gelangen kann. Natürlich schützen sich die Menschen mit luftdichten Schutzanzügen, auch wenn sie einen Kanarienvogel im Käfig mitführen, dem es bei den Besuchen weiterhin gut zu gehen scheint.

Die erste Begegnung ist unglaublich spannend, obwohl gar nicht viel passiert – aber man fühlt mit Louise, die mit der Situation kaum klar kommt – dieser ungewohnte Schutzanzug und dann die Ungewissheit der ganzen Unternehmung – was erwartet sie überhaupt im Inneren dieses rätselhaften Dings? Aber sie nimmt sich zusammen – schließlich ist das eine Mission, die nur wenigen Auserwählten zuteil wird. Natürlich ist das eine einzigartige Chance – und Dr. Louise Banks wird das Beste daraus machen.

Im Inneren des Raumschiffs werden in einer Art Kanal die Gesetze der Schwerkraft aufgehoben – die Wissenschaftler und ihre Beschützer können einfach an den Wänden entlang gehen – schließlich sieht man durch einen Nebel hinter einer Trennwand zwei große, tintenfischartige Wesen mit sieben Armen oder Beinen, die sehr merkwürdige Geräusche von sich geben, die Louise beim besten Willen nicht übersetzen kann.

Die Aliens kommunizieren... Bild: Arrival Trailer (Youtube)

Die Aliens kommunizieren… Bild: Arrival Trailer (Youtube)

Aber als findige Sprachexpertin kommt Louise schließlich auf die Idee, zu testen, ob die Außerirdischen etwas mit visueller Kommunikation anfangen können, in dem sie HUMAN und später ihren Namen auf eine Tafel schreibt, die sie den Heptapoden zeigt. Diese antworten tatsächlich, in dem sie mit ihrer Tinte kreisförmige Schriftzeichen auf die Trennwand schreiben, die leicht variieren. Louise und Ian fangen damit an, diese Zeichen und entschlüsseln und finden in mühsamer Kleinarbeit auch einiges heraus – allerdings können sie sich nie sicher sein, ob das, was sie hineinlesen, auch wirklich so gemeint ist.

Nach einiger Zeit haben Menschen und Aliens einige grundlegende Begriffe ausgetauscht – und die Aliens überraschen mit einer Botschaft, die sich mit „Waffe anbieten“ oder „Waffe benutzen“ übersetzen lässt. Nicht nur im US-Team sorgt das für Aufregung, sondern auch in China und einigen weiteren Ländern. Während Louise weiterhin überzeugt ist, dass die Aliens etwas anderes meinen müssten, werden weltweit Waffen in Stellung gebracht. Eine Gruppe Soldaten bringt eigenmächtig eine Bombe in das Raumschiff, in dem Louise und Ian weitere Informationen von den Aliens erhalten wollen.

Doch die Aliens lassen sich auch von dieser Aktion nicht aus der Ruhe bringen – sie retten Louise und Ian, wobei einer der beiden Außerirdischen dabei zu Tode kommt. Kurz vor der Explosion haben sie noch eine Menge Zeichen übermittelt, die Ian nun entschlüsselt. Er findet heraus, dass die Aliens auf den Verbund der zwölf Raumschiffe hinweist. Louise macht sich unterdessen noch einmal allein auf den Weg zum Raumschiff und wird von dem verbliebenen Alien an Bord geholt. Sie findet heraus, dass die Aliens der Menschheit ein Geschenk machen wollen – ihre universelle Sprache, die auch die Wahrnehmung von Zeit verändert – Louise begreift, dass die Träume, die sie die ganze Zeit hat, ein Blick in die Zukunft sind. Später, hoffen die Aliens, werden die Menschen ihnen damit einmal helfen können.

Jetzt gilt es nur noch, die anderen Menschen zu überzeugen…

Doch, das ist ein toller Film, der mich mehr beeindruckt, als jedes Effektgewitter á la Star Wars oder Independence Day. Hier geht es endlich einmal nicht um Technik, sondern um Kommunikation – und um die Mühen ernsthafter Wissenschaft, die ausnahmsweise nicht benötigt wird, um neue Waffen zu entwickeln oder fremde Waffen zu zerstören, sondern um Erkenntnis zu gewinnen. Mehr Science und weniger Fiction also, das sollte man öfter wagen. Wobei dieser Film ja durchaus in die Zukunft blickt, wie man es von guter Science Fiction auch erwarten kann.

La La Land – Herzschmerz, aber richtig

„Nee, das sind ja mehr als zwei Stunden Zeitverschwendung“, erklärte mein Freund kategorisch, „den Film musst du dir allein ansehen!“ Was ich dann auch tat – und wie ich erwartet hatte, sind die 128 Minuten La La Land kein bisschen Zeitverschwendung. Das schreibe ich, obwohl ich kein großer Fan von Musical-Filmen bin und sonst auch nicht viel für romantische Komödien übrig habe. La La Land ist auch eher eine nostalgische Satire auf RomComs, Musicals und die Traumfabrik von Hollywood – genau das ist der Witz daran.

Schon die Anfangssequenz macht klar, dass es hier um ganz großes Kino geht: Es gibt einen der notorischen Dauerstaus, mit denen sich die dynamische Individualverkehrsgesellschaft ad absurdum führt: Die Bewohner von Los Angeles stehen mit ihren Autos pro Jahr im Durchschnitt 81 Stunden im Stau und halten damit den US-Rekord – was in La La Land dazu genutzt wird, um eine epische Tanznummer daraus zu machen: Nachdem eine Autofahrerin einfach singend aus ihrem durch den endlosen Stau auf dem Highway nutzlosen Gefährt aussteigt und über Autobahn und Fahrzeuge tanzt, gibt es kein Halten mehr und nach und nach machen alle mit, inklusive einer Band, die zuvor in einem Lastwagen verborgen war. Das alles ist zwar völlig sinnfrei, macht aber Spaß und ist die perfekte Einstimmung auf alles, was folgt.

La La Land: Emma Stone und Rain Gosling

La La Land: Emma Stone und Rain Gosling

Eine dermaßen übertriebene Hollywood-Tanznummer macht klar, dass der Film von hinten bis vorn nicht ernst gemeint sein kann – wir sind hier eher in der Kategorie von Hail Caesar (in dem es eine wahnsinnig gute Tanzszene mit Channing Tatum als Matrose gibt), nur ohne George Clooney, Sandalen, die Coens und verschrobene Kommunisten. Dafür aber mit Ryan Gosling und Emma Stone, die auf dem Weg sind, ein echtes Hollywood-Traumpaar zu werden, vielleicht nicht wie Ginger Rogers und Fred Astaire, obwohl sie hier auch tanzen, eher cool und launisch wie Lauren Bacall und Humphrey Bogart. Jedenfalls wäre das meine Präferenz.

Mia (Stone) und Sebastian (Gosling) sind eben keine hoffnungslosen Träumer, wie ich in einer anderen Kritik las, die gern zitiert wird, sondern im Gegenteil ziemlich illusionslose Realisten – Mia ist eine ziemlich begabte, aber total unbekannte Schauspielerin, die leider auch niemanden kennt, der  ihr irgendwo eine entscheidende erste Rolle verschaffen könnte, Sebastian ist ein sehr guter Jazz-Pianist, der was Jazz betrifft, einen sehr expliziten Musikgeschmack hat, mit dem er bei seinem derzeitigen Arbeitgeber einfach nicht landen kann. Die beiden tun trotzdem, was sie tun müssen: Zu jedem blöden Vorsprechen bzw. Vorspielen gehen, in der Hoffnung, doch einen Fuß in die Tür zu kriegen und ansonsten gehen sie ihren öden Brotjobs nach, denn Geld verdienen muss man ja, gerade in Los Angeles. Dem La La Land, in dem Träume wahr werden – wenn auch nur die Träume der wenigen, die es schaffen, ihre persönlichen Traum zu leben. Und auch das geht nicht immer gut aus.

Die beiden laufen sich immer wieder mal über den Weg – aber wie in jedem guten Skript braucht es auch in La La Land Missverständnisse, Konfusion, Probleme. Und natürlich eine vernünftige Struktur, die sich hier an die Jahreszeiten hält, beginnend mit Winter. Und wie das so ist: Im Frühling schmilzt das Eis, im Sommer ist das Leben leicht und schön, im Herbst beginnen erneut die Schwierigkeiten und nun ja, es wird wieder Winter, was dann quasi der Epilog ist.

Aber zum Anfang zurück: Mia bedient in der Betriebskantine von Warner Bros, und hat damit all das, was wofür sie leben will, schmerzhaft dicht vor der Nase, nur dass sie eben unsichtbar ist und nicht dazu gehört. Sebastian, der Bud Powell und Thelonious Monk verehrt, muss Weihnachtslieder für ein gelangweiltes Publikum spielen und sich später als Keyboarder in einer Coverband, die auf Parties spielt, durchschlagen. So trifft er auch Mia wieder, die natürlich auch überall hin geht, wo sie möglicherweise jemanden trifft, der hilfreich sein kann. Aber es läuft an dem Tag für beide nicht gut – auf der Suche nach ihren Autos, die irgendwo geparkt sein müssen, treffen sie sich wieder, passend zum Sonnenuntergang. Und das führt ebenfalls zu einer tollen Tanzszene – Mia hat ihre Stepdance-Schuhe in der Handtasche dabei, was auch ein netter Gag ist – und dann gibt es einen minutenlangen Take ohne Schnitt, das ist einfach klasse. Doch, eigentlich mag ich Tanzfilme. Sie müssen nur gut sein.

Und wie das dann so kommen muss: Mia und Sebastian werden ein Paar und bestärken sich gegenseitig, ihre jeweiligen Projekte voran zu treiben – natürlich verstehen sie einander: Sie wollen einfach das tun, in dem sie gut sind. Obwohl Mia anfangs damit kokettiert, dass sie Jazz hassen würde, mag sie doch die Musik, die Sebastian spielt und redet ihm zu, seinen Traum vom eigenen Jazzclub zu verwirklichen, sie entwirft sogar ein Logo dafür.

Sebastian wiederum erklärt Mia, dass sie nicht länger für blöde Rollen vorsprechen solle, sondern sich besser selbst eine gute Rolle auf den Leib schreiben solle – wie wäre es mit einem eigenen Theaterstück? Verrückt – aber warum eigentlich nicht? Mia beginnt, ein eigenes Stück zu schreiben. (Und nebenbei, Brit Marling zum Beispiel fährt ganz gut mit dieser Strategie, nur schreibt sie Drehbücher und nicht Stücke) Doch wie das so ist – neben der Beziehung gibt es jede Menge Verpflichtungen und in unserer Konkurrenzgesellschaft ist es schwer, beides unter einen Hut zubekommen.

Und so kommt es, wie es kommen muss – Sebastian bekommt das Angebot, in einer Cross-Over-Jazz-Band, die eigentlich Musik macht, die er gar nicht so gut findet, Karriere zu machen – aber eben mit dem Preis, dass er dann die nächsten Jahre mit eben dieser Band auf Tour ist. Mia hingegen schreibt ihr eigenes Stück, produziert es selbst und spielt die einzige Rolle – aber geht damit wirtschaftlich unter.

Aber Ironie des Schicksals – eine Produzentin, die Sebastian kennt, hat Mias Stück gesehen und ist begeistert – auch wenn sonst kaum jemand es gesehen hat. Sebastian kann Mia, die aufgeben will und zu ihren Eltern nach Boulder City, Nevada, zurückgezogen ist, überzeugen, zu einem weiteren Vorsprechen zu gehen. Natürlich wird das ihr Durchbruch – auch wenn sie jetzt erst einmal nach Paris gehen muss. Und Mia macht Sebastian klar, dass dieses Projekt, bei dem er gerade mit macht, doch nicht das ist, was er eigentlich wollte. Aber sie verlieren sich aus den Augen – sie sind zu sehr damit beschäftigt, ihre jeweiligen Karrieren voranzutreiben. Wie das Leben so spielt.

Fünf Jahre später ist Mia eine anerkannte und etablierte Schauspielerin – mit ihrem Ehemann und der kleinen Tochter macht sie einen Abstecher nach Los Angeles. Und wie so oft, stehen sie im Stau – Mia ist dafür, dass sie einfach abbiegen und etwas anderes tun. Sie landen in einem Jazz-Club, in dem Mia das Seb’s-Logo erkennt, das sie für Sebastian entworfen hat. Und tatsächlich, später kommt Sebastian auf die Bühne und spielt – er hat also auch seinen Traum verwirklicht.

Die beiden erkennen einander – und im Schnelldurchlauf gibt es den Film, der ihr beider Leben hätte sein können, wenn nur, ach wenn –

Doch, genau das ist großes Kino. Das Spiel mit den Möglichkeiten, aber jeder weiß, dass das Leben nicht so ist. Und auch der Film weiß das bzw. seine Macher. Und auch wenn man seinen Traum lebt, ist das Leben eben Leben und kein Traum. Mit allen Härten und Konsequenzen. Es kommt eben immer anders. Selbst, wenn das, was man erwartet hat, entgegen aller Wahrscheinlichkeit eintritt. La La Land ist kein Film für Träumer. Es ist ein Film für alle, die Filme übers Filmemachen lieben. Die mit kitschiger Ironie klar kommen, nicht gegen Jazz und Musical allergisch sind und zwei Stunden und acht Minuten Zeit haben. Für die kann La La Land ein Riesenspaß sein. Obwohl, die sieben Golden Globes, die La La Land kürzlich abgesahnt hat – das war wohl eher eine Verzweiflungstat, wenn auch eine nachvollziehbare. Mir gehen ja selbst die ganzen Superheldenmovies und Thriller auf die Nerven. La La Land ist halt mal wieder was anders.

Aber sieben Golden Globes?! Total Übertrieben. Aber Jimmy Fallon’s Cold Open für die Golden Globes versteht eigentlich nur, wenn man den Anfang von La La Land gesehen hat.