Retrokritik: Ein Mann will nach oben

In Sachen Serie tut sich das deutsche Fernsehen seit einiger Zeit nicht mehr mit Innovationen hervor und selbst solide Standardkost (also Serien, die nicht total peinlich sind) ist mittlerweile ziemlich rar geworden. Das war nicht immer so, selbst das ZDF, das in den vergangenen Jahren außer KDD – Kriminaldauerdienst nichts Bemerkenswertes hervor gebracht hat – und KDD kam bei den typischen ZDF-Zuschauern ja leider nicht besonders gut an, obwohl das meiner Ansicht nach eines der wenigen interessanten deutschen Serienprojekte der letzten zehn Jahre war – hat ab und zu mal ein blindes Korn gefunden. Sozusagen. Ich trau mich das kaum zu sagen, aber früher war schon ab und zu mal etwas besser, es gab vor Jahrzehnten sogar mal brauchbare Serien im ZDF. Nein, ich meine nicht Die Schwarzwaldklinik. Sondern Projekte wie den Dreizehnteiler Ein Mann will nach oben nach dem Roman von Hans Fallada.

Nun ist eine Romanverfilmung natürlich nichts besonders Innovatives – aber mir ist die gelungene Serienadaption einer interessanten Geschichte, die sich bereits in der Buchvorlage bewährt hat, deutlich lieber als ein schlechtes Serienkonzept, das irgendwie innovativ sein will, aber tatsächlich nur teuerer Schrott ist. Viele erfolgreiche Fernseh-Serien beruhen auf Romanen, Game of Thrones, 13 Reasons Why, Dexter, Bosch – und eben auch Ein Mann will nach oben aus dem Jahr 1977.

Screenshot: Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Ich habe keins der diesen Serien zugrunde liegenden Bücher gelesen, weshalb ich nicht sagen kann, wie gut oder schlecht die Romanvorlage jeweils umgesetzt wurde, aber das ist ja auch egal, solange die jeweilige Serie als Serie funktioniert. Und das ist bei den genannten Beispielen der Fall. Ein Mann will nach oben war natürlich auch 1977 schon eine Retroserie, in der mit viel Liebe zum Detail eine längst vergangene Epoche wieder heraufbeschworen wurde. Wenn man das jetzt sieht, ist es quasi ein doppelter Retroeffekt, weil die Zehnerjahre des 20. Jahrhunderts aus der Perspektive der 70er Jahre gezeigt werden, was nun auch schon wieder 40 Jahre her ist – und da war schon einiges anders.

Mal davon abgesehen, dass mit sehr viel längeren Einstellungen, viel weniger Schnitten und dafür oft ziemlich ausführlichen Dialogen gearbeitet wurde, was den Erzählfluß recht gemächlich macht und für heutige Sehgewohnheiten erst einmal ziemlich altbacken und ein bisschen langweilig wirkt, ist auch viel mehr von dem damaligen Anliegen des öffentlich-rechtlichen Staatsfernsehens zu spüren, die Zuschauer eben nicht nur zu unterhalten, sondern auch zu informieren, ja sogar zu bilden – im Sinne von Ausbildung eines kritischen bürgerlichen Bewusstseins und natürlich guter Allgemeinbildung.

Screenshot: Karl Siebrecht (Mathieu Carrière) Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Karl Siebrecht (Mathieu Carrière) Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Gut, was die Leute denken sollen, spielt im heutigen Fernsehen natürlich auch eine enervierend wichtige Rolle, weshalb viele Leute inzwischen auch so genervt von den „Lügenmedien“ sind und lieber formal unprofessionelleren Lügnern auf den Leim gehen, aber das ist hier jetzt nicht mein Thema. Was ich meine, ist, dass es mich geradezu gerührt hat, das sogar im ZDF gelegentlich sozialkritische Töne angeschlagen wurden, wobei Hans Fallada, mit bürgerlichem Namen Rudolf Ditzen ja nicht unbedingt ein besonders linker oder sozialkritischer Schriftsteller war. Sondern ein unglücklicher Sohn aus einer großbürgerlichen Familie, der zeitlebens unter seiner Alkohol- und Morphiumsucht litt und als junger Mann nur knapp einen als Duell getarnten Doppelselbstmordversuch überlebte.

Fallada schlug sich ähnlich wie sein Held Karl Siebrecht aus Ein Mann will nach oben mit allen möglichen Hilfsjobs durch, in denen er dank seiner guten Schul- und Allgemeinbildung oft schnell reüssieren konnte. Bildung ist wichtig, das wird auch in der Serie klar, wer schreiben, lesen und rechnen kann, ist klar im Vorteil. Und natürlich braucht es auch „jenügend Vastehste im Koppe“, wie Rieke sagen würde, die Berliner Jöre aus dem Wedding, die nicht nur ein flottes Mundwerk, sondern auch das Herz auf dem richtigen Fleck hat. Und Karl Siebrecht hat nicht nur genügend Verstand, sondern er ist im Gegensatz zu seinen Freunden Rieke und Kalli auch ehrgeizig und hart genug, um Karriere zu machen.

Screenshot: Rieke Busch (Ursula Monn) und Tilda Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Rieke Busch (Ursula Monn) und Tilda Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Im Jahr 1909 verlässt der sechzehnjährige Karl (Mathieu Carrière), der früh seine Eltern verloren hat, sein Heimatdorf in der Uckermark, um in Berlin sein Glück zu machen. In jener Zeit war es tatsächlich möglich, vom Tellerwäscher zum Millionär aufzusteigen – Rieke wird später zu ihrem Sohn sagen, dass alle amerikanischen Präsidenten mit Zeitungen austragen angefangen hätten. Wir wissen zwar, dass das nicht stimmt, der aktuelle US-Präsident hat vermutlich nicht mal Zeitung gelesen, sondern einfach eine Hotelkette geerbt, aber das spielt für die hier behandelte Berliner Variante des amerikanischen Traums keine Rolle.

Im Zug trifft Karl auf die noch etwas jüngere Rieke (Ursula Monn), die Karl gleich in ihre Unternehmung einspannt: Sie war bei einer Tante auf dem Land, um sich einen Anteil vom Schlachtfest zu sichern und braucht jemanden, der ihr mit den schweren Körben und der kleinen Schwester hilft. Karl hilft – und hat mit Rieke auch eine treue Seele gefunden, die ihm in der fremden großen Stadt weiterhelfen kann. Karl zieht mit in die enge Arbeiterwohnung der Familie Busch, Küche und Stube teilt sich Rieke fortan mit ihrem Vater, der sich nach dem Tod seiner Frau vor allem dem Schnaps widmet, der kleinen Tilda und Karl, bald kommt auch noch Kalli Flau (Reiner Hunold) hinzu, der schlagkräftige Seemann, der ebenfalls in Berlin auf eine bessere Zukunft hofft.

Screenshot: Vater Busch ((Walter Buschhoff), Rieke (Ursula Monn) und Karl (Mathieu Carrière) Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Vater Busch ((Walter Buschhoff), Rieke (Ursula Monn) und Karl (Mathieu Carrière) Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Rieke versorgt ihre Familie, so gut sie kann und geht nebenher noch in die Schule – wie so viele Frauen arbeitet sie praktisch rund um die Uhr, denn Haushalt ist Frauensache und zu jener Zeit noch ein echter Knochenjob, außerdem geht sie putzen und lernt nähen, denn das Leben ist teuer und Geld immer knapp.

Karl schlägt sich mit Gelegenheitsarbeiten durch – gleich am ersten Tag heuert er auf einer Baustelle an, von denen es viele gibt im der Berliner Gründerzeit. Sein Job ist es, Koks für die Trockenwohner in die Wohnungen zu schleppen. Arme Familien, die sich keine Mietwohnung leisten können, entgehen mit dem Trockenwohnen der feuchten Neubauten der Obdachlosigkeit – auf Kosten der Gesundheit natürlich, aber so ist das eben. Als der naive Karl sich gegenüber seinem Arbeitgeber, dem Immobilienhai Kalubrigkeit empört über diese Zustände zeigt, ist er seinen Job gleich wieder los: So einen roten Bubi will der nicht in seinen Diensten. Karl muss feststellen, dass es offenbar nicht nur darauf ankommt, gute Arbeit leisten zu wollen, sondern auch darauf, gegenüber Höhergestellten Demut und Gehorsam zu zeigen. Das fällt ihm schwer, denn Karl hat seinen Stolz. An dem er auch stur festhält.

Screenshot:  Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Karl, Rieke und Kalli müssen sich immer wieder etwas Neues einfallen lassen, denn viele ihrer Versuche, mit ehrlicher Arbeit Geld zu verdienen, scheitern daran, dass Karl und Rieke einfach noch zu jung sind, um Verträge zu schließen, weshalb sie immer wieder betrogen und über den Tisch gezogen werden. Schließlich versuchen Karl und Kalli sich als Gepäckträger, was einerseits ein einträgliches Geschäft ist, denn Berlin hat, wie viele Großstädte zu jener Zeit, eine ganze Reihe großer Kopfbahnhöfe, die am Rand des Zentrums liegen, aber jeweils nicht durch Bahnstrecken miteinander verbunden sind. S- und U-Bahnen waren zu jener Zeit noch in Planung bzw. im Bau. Passagiere und Gepäck müssen also jeweils durch die Innenstadt zum nächsten Bahnhof befördert werden. Doch weil im preußischen Berlin alles seine Ordnung hat, braucht man dafür eine Lizenz als Dienstmann.

Und Karl und Kalli sind auch dafür noch zu jung, und dann muss man sich auch noch mit der Innung gut stellen, um eine Lizenz als Dienstmann übernehmen zu können, wenn etwa einer aus Altersgründen ausscheidet. Also arbeiten sie als Haifische – so werden die Gepäckbeförderer ohne Lizenz genannt, die denen mit Lizenz die Fuhren wegschnappen, weil sie schwarz arbeiten und ihre Dienste entsprechend billiger anbieten. Diese illegale Konkurrenz ist natürlich keineswegs beliebt, und die Rotmützen drohen dem alten Kürass, der sich von Karl und Kalli helfen lässt, an, seine Karre zu zerstören, weil die drei natürlich mehr wegschaffen können, als jeweils einer allein.

Screenshot: Kalle Flau (Rainer Hunold) und Karl Siebrecht Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Kalle Flau (Rainer Hunold) und Karl Siebrecht Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Ganz aus ist es dann, als Karl auch noch auf die Idee kommt, die Gepäckbeförderung mit einem Pferdefuhrwerk zu rationalisieren – damit lässt sich mit einer Fuhre noch viel mehr transportieren. Karl leiht sich bei dem windigen Fuhrunternehmer Wagenseil (Harald Juhnke in einer Vorstudie zu seiner Rolle in Der Trinker) Pferde und Wagen und bietet den Dienstmännern an, ihr Gepäck zu befördern – für die Hälfte ihrer Taxe. Das sorgt für Empörung: So ein grüner Junge macht ihnen das Geschäft kaputt! Denn natürlich sehen die ehrbaren Dienstmänner Karls Initiative nicht als Arbeitserleichterung und Win-Win-Situation an, wie Karl sich das eigentlich vorgestellt hat: Da kommt einer, der was Neues ausprobieren will – und das ist erstmal ein Ärgernis.

Aber der sture Karl hält tatsächlich durch und kann mit Kallis schlagkräftiger Unterstützung seinen Hauptfeind Kiesow schließlich zur Aufgabe des für alle beteiligten destruktiven Boykotts zwingen: Die Gepäckbeförderungsfirma Siebrecht & Flau entwickelt sich schnell zu einem erfolgreichen Unternehmen. Jetzt stellt sich allerdings auch heraus, dass der gerissene Wagenseil Karl einen ungünstigen Vertrag angedreht hat – vor allem die Klausel, dass Karl die Gespanne ausschließlich bei Wagenseil beschaffen muss, wird zum Klotz am Bein. Außerdem macht Karl es zunehmend zu schaffen, dass Wagenseil einen erheblichen Anteil seiner Einnahmen kassiert, ohne selbst einen Finger krumm zu machen und beschließt, in die Offensive zu gehen: Er bewirbt sich um eine Generallizenz für die Einrichtung von Gepäckaufgabestellen in allen Berliner Bahnhöfen und bootet Wagenseil aus, der sich ebenfalls darum beworben hat.

Screenshot:  Wagenseil (Harald Juhnke) und Karl Siebrecht  Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Wagenseil (Harald Juhnke) und Karl Siebrecht Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Doch Wagenseils Rache ist bitter: Er stellt Karl nur noch die schwächsten Klepper und die brüchigsten Wagen – die Gepäckbeförderung bricht schnell zusammen. Karl, Rieke und Kalli müssen einen neuen Rückschlag verkraften. Doch es zeichnet sich eine neue Chance ab: Die Stammkneipe von Vatern Busch steht zum Verkauf. Wenn sie ihre Ersparnisse zusammenschmeißen, können sie Die Funzel kaufen – das wäre zumindest Riekes und Kallis Lebenstraum. Doch sie müssen sich schnell entscheiden, der Verkäufer will am nächsten Morgen in sein neues Leben aufbrechen. Auch wenn Karl nicht wirklich überzeugt ist, macht er mit – und es stellt sich schnell heraus, dass die drei schon wieder auf einen Betrüger hereingefallen sind. Nur weniger Stunden zuvor ging das Objekt an einen Architekten, der Vertrag, den die drei gegen ihr Bargeld bekommen haben, ist wertlos, sämtliche Ersparnisse futsch.

Doch nun auf dem Tiefpunkt hysterischer Verzweiflung kommt Karl die rettende Eingebung: Wozu Pferdewagen mieten, wenn man Automobile haben kann? Karl setzt alles auf eine Karte und fährt zur Villa des Autohändlers Ernst Gollmer. Dessen Tochter Ilse hält Karl für den erwarteten Gärtner und lässt ihn hinein – die beiden hatten sich schon einmal kurz zuvor zufällig getroffen. Karl erklärt, dass er nicht der erwartete Gärtner sei, stellt sich aber durch seine Jugend auf dem Land als patent genug heraus, den von ihm erwarteten Job zu erledigen. Damit hat er das Interesse von Ilse und ihrem Vater geweckt – Karl darf sein Projekt pitchen, wie man heute sagen würde, und er präsentiert dermaßen überzeugend, dass der alte Gollmer gleich einen Businessplan aufstellt und Karl zu seinem Geschäftspartner in Sachen Hauptstadtgepäckbeförderung macht. Gollmer liefert fünf Lastwagen an Siebrecht &Flau und Karl fängt an, sein Unternehmen zu professionalisieren – er stellt einen Buchhalter ein, womit er seine bisherige Sekretärin Fräulein Palude tief kränkt, und auch Rieke und Kalli sind mit den Entwicklungen überfordert und beschließen, stattdessen die Funzel zu pachten. Deren Käufer hat den beiden ein entsprechendes Angebot gemacht, weil sie ja offenbar mit Herzblut bei der Sache sind.

Screenshot:  Die missgünstigen Dienstmänner  Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Die missgünstigen Dienstmänner Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Damit bricht die jahrelange Wohn- und Schicksalsgemeinschaft der drei Freunde auseinander – Rieke und Kalli richten sich mit der Funzel ein, Karl hingegen pendelt zwischen der Grunewald-Villa seiner neuen Freundin Ilse und dem proletarischen Wedding. Aber in keiner dieser Welten ist er wirklich zuhause. Und dann kommt der erste Weltkrieg – sowohl Karl als auch Kalli werden einberufen und müssen an die Front. Und weil man ja nicht weiß, was kommt, verbringt Rieke sowohl mit Karl als auch mit Kalli jeweils eine Liebesnacht – dabei ist Rieke eigentlich nicht so eine, und die Freunde hatten sich vor Jahren auch gegenseitig versprochen, dass sie sich bei Rieke zurückhalten wollen, um sie nicht in Schwierigkeiten zu bringen. Aber Rieke wird natürlich prompt schwanger – und sie ist ganz sicher, dass Karl der Vater ist. Was auch zutrifft. Kalli aber stört das nicht, als er als Kriegsversehrter nach Hause kommt – er hat an der Ostfront seine linke Hand verloren.

Karl hingegen ist an der Westfront gelandet und hat prompt wieder Ärger mit einem Vorgesetzten, was in diesem Fall lebensgefährlich ist, denn er wird auf ein Himmelfahrtskommando geschickt. Aber auch hier kann er sich mit kühlem Kalkül, Mut und etwas Glück wieder aus der Affäre ziehen – allerdings erblindet er nach einem Giftgasangriff vorübergehend und gerät in französische Kriegsgefangenschaft. Er gilt als verschollen. Rieke und Kalli schlagen sich Zuhause mit Vater, Kind und der heranwachsenden Tilda in der Funzel durch die Kriegs- und Nachkriegszeit. Die beiden beschließen, endlich zu heiraten. Doch ausgerechnet da kommt der langvermisste Karl zurück.

Screenshot:  Karl und Kalli  Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)Screenshot:  Karl und Kalli  Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Screenshot: Karl und Kalli Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Rieke ist überglücklich und heiratet ihren Karl, auch wenn der schon wieder mit anderen Dingen beschäftigt ist – er ist in Schiebergeschäfte mit Freikorpssoldaten verwickelt, denn sowohl das Taxigeschäft, als auch die Kneipe werfen einfach nicht genug Gewinn ab. Natürlich geht die Sache mit Rieke und ihm nicht gut, sie lassen sich schließlich einvernehmlich scheiden. Jetzt hat endlich der geduldige Kalli seine Chance und natürlich nimmt er Rieke – er hat ja nie etwas anderes gewollt.

Karl hingegen trifft Ilse Gollmer wieder, die mit ihrem Vater ein Fluggeschäft in Tempelhof aufbaut. Der alte Gollmer stellt Karl natürlich ein, er weiß ja, dass Karl ein tüchtiger Geschäftsmann ist. Und er hätte zu gern, dass Karl Ilse heiratet, eine Familie gründet und den Betrieb übernimmt. Doch die jungen Leute haben heutzutage andere Pläne…

Alles in allem erzählt Ein Mann nach oben also von der Sehnsucht nach Glück und den unterschiedlichen Definitionen davon – während Rieke und Kalli schon selig sind, wenn sie sich zum Frühstück warme Schrippen mit Honig und echten Bohnenkaffee leisten können, hastet Karl schon zum nächsten Geschäftstermin weiter. Mit gutem Essen und edlem Schampus ist er nicht zufrieden, auch wenn ihm das natürlich gefällt, genau wie ein maßgeschneiderter Anzug mit einem elegantem Hut. Karl will beeindrucken, und er will immer noch mehr, er will besser sein, cleverer, er ist einer, der sich am eigenen Schopf aus dem Sumpf ziehen kann, jedenfalls fast, aber er ist kein Betrüger, im Gegenteil, er ist für diese Welt eigentlich zu ehrlich. Wenn er ab und zu mal fünfe grade sein lassen könnte, ginge es ihm und seinen Freunden sicherlich besser.

Screenshot: Die

Screenshot: Die „Dreier-WG“ Karl, Rieke und Kalli Ein Mann will nach oben (Deutschland 1977)

Aber Karl Siebrecht kann eben nicht raus aus seiner Haut. Das macht ihn dann doch wieder sympathisch, weil er eben nicht einer dieser modernen Strebertypen ist, die für ihren Erfolg über Leichen gehen, sondern einfach ein pfiffiger junger Mann mit Ambitionen und Prinzipien. Überhaupt sind die Typen in Ein Mann will nach oben alle herrlich menschlich – Hans Fallada hatte ein Herz für Verlierer, soviel steht fest. Aber er hat auch nichts dagegen, wenn seine Helden ab und zu ein bisschen Glück haben – vor allem der großherzigen Rieke würde man noch ein bisschen mehr davon gönnen. Aber die gehört ja zu denen, die nicht rumjammern, sondern die Ärmel hochkrempeln und aus allem das Beste machen. Rieke würde definitiv Limonade machen, wenn das Leben ihr Zitronen gäbe, wie es in This Is Us so schön heißt. This Is Us ist ja ein aktuelles Beispiel dafür, dass man aus dem Leben an sich noch immer serientaugliche Geschichten machen kann – man braucht nur jemand, der es wagt, sie zu erzählen.

Erzählungen wie Ein Mann will nach oben sind in diesen Zeiten natürlich nicht mehr zeitgemäß – aber irgendwie dann wieder doch, einfach um sich klar zu machen, dass wir derzeit einen unglaublichen und ärgerlichen gesellschaftlichen Rückschritt erleiden: Vor gut hundert Jahren bedeutete es einen ungeheuren Aufstieg, wenn man sich aus der engen Hinterhofwohnung in die Belle Etage im Vorderhaus hocharbeiten konnte. Aber der war mit Fleiß und Bildung möglich. Heute ist es eher so, dass man sich trotz guter Ausbildung und einer Menge Einsatz dem ständig drohenden Abstieg gegenüber sieht, der erfolgt, sobald man einen halbwegs vernünftig bezahlten Job verliert und das eigene Haus oder die zentral gelegene Wohnung nicht mehr bezahlen kann. Heute wäre das Thema also eher: Ein Mensch will nicht nach unten. Eine solche Geschichte sollte es doch auch wert sein, erzählt zu werden. Aber vermutlich macht heutzutage kein Sender dafür Produktionsgelder locker – heute soll das Volk nicht mehr ausgebildet und aufgeklärt, sondern eingelullt werden. Die da oben wissen schon, was gut für uns ist. Wir haben ja Freiheit und Demokratie, wenn jetzt alle die die Hände spucken und ranklotzen, wird alles gut.

Wers gloobt, dem vakoof ick nen Jebrauchtwagen.

The Last Kingdom: Vikings aus Sicht der Engländer

Um das Warten auf Staffel 5 der Nordland-Saga Vikings zu überbrücken, habe ich über das Osterwochenende The Last Kingdom angesehen – auch in dieser BBC-Serie geht es um die Eroberung der angelsächsischen Königreiche durch die Wikinger, nur eben aus der weniger erfreulichen Perspektive der Engländer. Insofern steht hier nicht Ragnar Lothbrok im Mittelpunkt, sondern ein gewisser Uhtred von Bebbanburg, der Sohn eines englischen Lords, der nach einer verlorenen Schlacht, in der sein Vater von den Wikingern getötet wird, in die Hände der Dänen fällt. Wobei der große Eroberer Ragnar auch hier im Grunde ein ganz netter Kerl ist, denn er findet Gefallen an dem Jungen, der zwar noch recht klein, aber dafür mutig und kämpferisch ist, fast wie ein Wikinger halt.

The Last Kingdom © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt Alexander Dreymon (as Uhtred)

The Last Kingdom © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt Alexander Dreymon (as Uhtred)

Als Ragnar mitbekommt, dass die Engländer Uhtred nur frei kaufen wollen, um ihn dann zu töten, weil er der nächste Lord von Bebbanburg wäre – diesen Posten hat sich aber der Onkel des Jungen nach dem Tod seines Bruders schon gesichert – beschließt der weise Nordmann, den jungen Angelsachsen als seinen eigenen Sohn großzuziehen. Er nimmt auch die ebenfalls entführte Brida in seine Familie auf. Die beiden angelsächsischen Kinder sollen ihm etwas über die Leute und das Land beibringen, in dem sich die Wikinger nun niederlassen wollen – denn die britischen Inseln sind viel angenehmer und furchtbarer als das Land, aus dem sie kommen.

Uhtred und Brida finden mit der Zeit Gefallen an der wikingischen Lebensweise – natürlich müssen die Menschen ebenfalls hart arbeiten, um ihren Lebensunterhalt zu bestreiten. Aber die Götter der Wikinger sind nicht so elende Spaßbremsen, wie dieser eine strenge Gott, an den die Angelsachsen glauben. Die Wikinger feiern gern und sind auch sonst nicht so verklemmt wie die christlichen Angelsachsen.

The Last Kingdom © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom: Zuhause bei den Wikingern © Carnival Film & Television Ltd

Aber es gibt auch Stress und Rivalitäten unter den Wikingern – und so fällt Ragnars Familie einem perfiden Racheplan zum Opfer, nur der älteste Sohn Ragnar Ragnarsson, der sich im Norden ein eigenes Reich aufgebaut hat, überlebt – sowie Uhtred und Brida, die ein Schäferstündchen im Wald hatten. Natürlich sieht das nicht gut aus. Es bietet sich förmlich an, die ganze Sache diesem angelsächsischen Bastard in die Schuhe zu schieben.

Uhtred (gespielt von dem deutschen Schauspieler Alexander Dreymon) ist über den Tod seines Ziehvaters verzweifelt, aber er begreift, dass er für die Wikinger als Verräter dasteht. Er fasst nun einen anderen Plan: Er will sich sein Erbe zurückholen und als angelsächsischer Ealdorman anerkannt werden. Also sucht er gemeinsam mit Brida das letzte der britischen Königreiche auf, das noch nicht von den Dänen unterworfen wurde: Wessex.

The Last Kingdom: Ragnar Lothbrok (Peter Gantzler) © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom: Ragnar Lothbrok (Peter Gantzler) © Carnival Film & Television Ltd

Uhtred hat Glück: Weil der Mönch Beocca, der einst Berater von Uhtreds Vater war, inzwischen Berater an König Aethelreds Hof ist, ihn nach all den Jahren wieder erkennt, schafft er es sogar, beim König vorgelassen zu werden, obwohl er für einen Dänen gehalten wird. Uhtred versucht, das Vertrauen des Königs zu erlangen, in dem er ihn über die Schlachtpläne der dänischen Häuptlinge Ubba und Guthrum aufklärt, die er anhand von wikingischen Zeichen, die sie hinterlassen, deuten kann.

Aber warum sollte ein englischer König einem dänischen Bastard vertrauen? Aethelred konsultiert seinen Bruder Alfred, der gesundheitlich nicht auf der Höhe und auch sonst etwas verschroben ist. Aber Alfred ist ein schlauer Kerl, er vertraut nicht nur auf Gott, sondern auch auf Verstand. Und der sagt ihm, das Uhtred sehr nützlich sein kann – aber auch, dass er gefährlich werden könnte. Also empfiehlt er seinem Bruder, auf Uhtred zu hören, ihn und Brida aber sicherheitshalber einzusperren – falls irgendetwas schief läuft.

The Last Kingdom | Episode Two © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt David Dawson (as Alfred) with Alexander Dreymon (as Uhtred)

The Last Kingdom | Episode Two © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt David Dawson (as Alfred) with Alexander Dreymon (as Uhtred)

Es stellt sich schließlich heraus, das Uhtred recht hatte – die Engländer können Wessex gegen die Dänen verteidigen, allerdings wird König Aethelred in der Schlacht tödlich verwundet und setzt Alfred als seinen Nachfolger ein, weil er weiß, dass sein nichtsnutziger Sohn nicht zum König taugt. Damit gibt es jede Menge Konfliktpotenzial, das locker für die acht Folgen der ersten Staffel ausreicht – am Ende dreht sich die Serie darum, wie Alfred nicht nur sein Königreich verteidigt, sondern auch den Grundstein für ein vereintes englisches Königreich legt, britische Geschichte also, Alfred ist der einzige britische König, der den Beinamen „der Große“ erhalten hat.

Uhtred hingegen ist keine historische Person im eigentlichen Sinne, aber dennoch eine interessante Figur, die zwischen den Welten pendelt – er ist weder Wikinger, noch Angelsachse, und sowohl die Wikinger als auch die Angelsachsen sehen in ihm jeweils einen Fremdling, dem man nicht trauen kann. Nützlich ist, dass er sowohl englisch als auch dänisch spricht und die Lebensweise dieser gefährlichen Heiden kennt – außerdem ist er ein guter Kämpfer. König Alfred gibt Uhtred also eine Chance: Wenn er eine englische Lady heiratet, die Land besitzt, kann er ein Ealdorman werden und sich sein Erbe zurückholen. Das ist natürlich bitter für seine Freundin Brida – trotzdem willigt Uhtred ein.

The Last Kingdom © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt Emily Cox as Brida

The Last Kingdom © Carnival Film & Television Ltd Photographer: Joss Barratt Emily Cox as Brida

Brida (Emily Cox) verlässt daraufhin Uhtred und Wessex, um sich den Wikingern um den jungen Ragnar anzuschließen – für sie als Frau hat die angelsächsische Lebensweise nur Nachteile, denn Anpassung und Unterordnung sind nicht ihr Ding. Uhtred hingegen ist von seiner neuen Frau Mildrith sehr angetan, sie ist sittsam, jung und eine Augenweide – dass sie hochverschuldet ist, hat Alfred ihm wohlweislich verschwiegen: Durch Missernten ist sie mehrere Jahre im Rückstand, was die Abgaben an die Kirche angeht. Und die denkt natürlich nicht daran, diese Bürde vom Rücken ihrer armen Tochter zu nehmen. Trotzdem ist die Ehe glücklich, Mildrith wird schwanger.

Währenddessen gehen die Kämpfe im Land weiter – Ragnar Jr. und Guthrum erobern Wareham, neue Friedensverhandlungen werden nötig. Um eine Waffenruhe zu gewährleisten, gibt es einen Austausch von Geiseln: Jeweils zehn Männer gehen ins feindliche Lager. Uhtred gehört zur englischen Delegation. Unter den Dänen trifft er seinen Ziehbruder Ragnar und Brida wieder, die nun mit Ragnar zusammen ist. Als der grausame Ubba von einem Irland-Trip zurückkehrt, lässt der die englischen Geiseln töten – bis auf Uhtred, für den Ragnar ein gutes Wort einlegt. Uhtred kann entkommen und entzündet ein Leuchtfeuer, das Wessex vor einer neuen Invasion warnt: Guthrum ist mit zahlreichen Schiffen im Anmarsch.

The Last Kingdom: Bereit zum Kampf © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom: Bereit zum Kampf © Carnival Film & Television Ltd

Allerdings haben die Angelsachsen wieder Glück: Ein Sturm vernichtet einen großen Teil der dänischen Schiffe. Außerdem schleicht Uhtred sich in das Lager der Dänen und steckt weitere der übrig gebliebenen Schiffe in Brand. Durch das entstehende Chaos sind die Engländer siegreich. Als Uhtred erfährt, dass er einen Sohn bekommen hat, beschließt er allerdings, erst zuhause vorbei zu schauen, anstatt sich gleich auf den Weg zu Alfred zu machen. Also staubt der junge Odda den Ruhm ab, der eigentlich Uhtred gebührt, während auf den tapferen, aber diplomatisch ungeschickt agierenden Uhtred wieder nur jede Menge Ärger wartet.

Mir gefällt The Last Kingdom fast besser als Vikings, weil es noch weniger an Game of Thrones erinnert – Vikings hat zwar eine historische Grundlage, ist aber oft wie ein Fantasy-Spektakel anzusehen, die Kostüme sind spektakulär – und die Frisuren und Tätowierungen erst! Es gibt immer wieder Traumsequenzen und eine Menge meist schwarzer Magie, auch die Umwelt, insbesondere in Kattegat, ist immer wieder sehr kulissenhaft inszeniert, es liegt dort eigentlich zu jeder Jahreszeit Schnee – wobei genau dieser düstere Schwarzweiß-Look ja auch wieder den Stil dieser Serie ausmacht, den ich im Prinzip sehr mag – optisch und stilistisch gibt es mehr Parallelen zu Taboo als zu The Last Kingdom.

The Last Kingdom: Jonas Malmsjö as Skorpa © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom: Jonas Malmsjö as Skorpa © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom hingegen versucht, möglichst realistisch auszusehen, obwohl es auch es hier erstaunlich viel altenglischen Schnee gibt: die Jahreszeiten passen auch im letzten Königreich nicht immer zusammen. Einige der Vikinger haben ebenfalls coole Tattoos, Guthrum trägt eine Rippe seiner Mutter in sein Haar geflochten, und  natürlich machen sich viele der Szenen in kahlen Wäldern tatsächlich besser – aber wenn die Bäume nur einen Schnitt später plötzlich voll belaubt sind, dann ist das irgendwie nicht besonders glaubwürdig. Wir sind hier ja eben nicht in Game of Thrones, wo es Fantasy-Reiche mit langen Wintern und ewigen Sommern gibt, auch wenn das ja mittlerweile die Referenz-Serie für fast alles ist, obwohl eben „bloß“ Fantasy.

Insofern finde ich gut, dass The Last Kingdom dann doch nicht zu sehr auf Game of Thrones getrimmt ist, sondern im englischen Mittelalter bleibt, die Kostüme und sonstige Ausstattung sind vergleichsweise schlicht, viele der Figuren haben historische Vorbilder und die Auseinandersetzung zwischen den nordischen Heiden und den angelsächsischen Christen liefert spannenden Stoff genug – ich werde bestimmt bald in die zweite Staffel einsteigen.

The Last Kingdom: Uhtred (Alexander Dreymon) und Brida (Emily Cox) © Carnival Film & Television Ltd

The Last Kingdom: Uhtred (Alexander Dreymon) und Brida (Emily Cox) © Carnival Film & Television Ltd

Rückblick Homeland Staffel 6

So, die sechste Staffel von Homeland ist auch schon wieder durch – und ich fand sie gar nicht so schlecht. Ich fand sie sogar besser als die meisten Staffeln zuvor – wobei das ja nicht so schwer ist. In dieser Staffel war es endlich wieder so spannend und vertrackt wie am Anfang der Serie, als ja auch nicht klar war, ob der einst vermisste, nach langer Gefangenschaft im Nahen Osten befreite US-Soldat Nicolas Brody ein endlich heimgekehrter Kriegsheld ist oder nicht vielleicht doch ein gefährlicher Terrorist.

Dieses Mal ging es um eine Verschwörung innerhalb des auch durch den massiven Ausbau in den Jahren nach 9/11 ziemlich unübersichtlich Geheimdienstapparates der USA, ein Thema, das durch Serien wie Quantico oder Designated Survivor derzeit ziemlich überstrapaziert wird, aber ich muss sagen, dass mir die Homeland-Variante dann doch deutlich besser gefallen hat. Schon weil diese Serie die derzeit coolste Titelmusik hat und auch sonst der Soundtrack viel weniger nervt als eben bei den anderen genannten Beispielen, wo eben alles fürchterlich brachial ist, leider vor allem die Musik.

Homeland: Carrie Mathison (Claire Danes) und Mrs President-elect Elizabeth Keane (Elizabeth Marvel)

Homeland: Carrie Mathison (Claire Danes) und Mrs President-elect Elizabeth Keane (Elizabeth Marvel) Bild: JoJo Whilden/SHOWTIME

Nun glänzt auch Homeland sonst nicht gerade mit Subtilität, aber immerhin trauen sich die Macher was, mir hat das fiese Katz-und-Maus-Spiel zwischen den Geheimdienst-Veteranen Saul Berenson und Dar Adal gut gefallen, und auch, dass das Team um den Produzenten Alex Gansa genau wie so ziemlich alle anderen Kreativen in den USA bei den Präsidentschaftswahlen aufs falsche Pferd gesetzt hat – eine Mrs. President-elect war nun mal für das, was in der Staffel passiert, in jeder Hinsicht passender als eine Trump-Variante, die ohnehin nie so knallchargenhaft darstellbar wäre, wie der echte Trump agiert.

Homeland: Peter Quinn (Rupert Friend), Frannie (Claire McKenna) und Carrie Mathison (Claire Danes) Bild: Showtime

Homeland: Peter Quinn (Rupert Friend), Frannie (Claire McKenna) und Carrie Mathison (Claire Danes) Bild: Showtime

Elizabeth Keane als eine Präsidentin der vereinigten Minderheiten hingegen, die angetreten ist, um die Bürgerrechte zu stärken und Kriege zu beenden und deshalb ja auch mit knapper Mehrheit gewählt wurde, ist da für erfahrene Polit-Serien-Zuschauer doch viel glaubwürdiger, wenn sie sich am Ende als eiserne Lady entpuppt, die genau das Gegenteil von dem tut, was sie versprochen hat – hier gibt es eine Menge Parallelen zu Präsident Obama. Es ist ja nicht so, dass Keane sich nicht gegen die ihr vorgesetzten Lösungen des Staatsapparates auflehnen würde – sie versucht durchaus, eigene Akzente zu setzen. Mir hat vor allem die Folge nach dem Attentat gefallen, das Carries Schützling Sekou in die Schuhe geschoben wurde, in der sie mithilfe einer Haushälterin aus dem supersicheren Versteck entflieht, in das sie nach dem Anschlag routinemäßig gebracht wird, und nach New York zurückkehrt, um der Öffentlichkeit zu zeigen, dass sie sich eben nicht verstecken will.

Homeland: Saul Berenson (Mandy Patinkin), Bild: Showtime

Homeland: Saul Berenson (Mandy Patinkin), Bild: Showtime

Hier wird klar, dass es gewiss US-Kräfte sein müssen, die Keane unglaubwürdig machen und demontieren wollen, weil ihnen diese Präsidentin nicht passt. Natürlich wird auch hier dick aufgetragen, aber wie wir inzwischen aus dem wahren Leben wissen – manchmal ist die Realität noch schlimmer. Und dieser Brett O’Keefe (Jake Weber), ein selbsternannter Wahrheitsfanatiker, der eine provokante TV-Show betreibt, in der er „Lügen der Regierung“ aufdeckt, womit er natürlich nichts anderes als alternative Fakten produziert, die die Realität ebensowenig abbilden, wie andere fake news auch, ist leider eine Figur, die geradezu ekelhaft realistisch ist. Insofern ist es wirklich bitter, dass er am Ende dann auch noch irgendwie recht behält, weil die von ihm kritisierte Präsidentin Keane sich einmauert und knallhart ihr Ding durchzieht – natürlich bekommt sie nun von keiner Seite Lob, auch nicht von denen, die ihr unterstellt haben, dass sie genau dazu nicht fähig wäre.

Homeland: Elizabeth Keane (Elizabeth Marvel), Dar Adal (F. Murray Abraham) und Rob Emmons (Hill Harper) Bild: JoJo Whilden/SHOWTIME

Homeland: Elizabeth Keane (Elizabeth Marvel), Dar Adal (F. Murray Abraham) und Rob Emmons (Hill Harper) Bild: JoJo Whilden/SHOWTIME

Für Carries langjährigen Vertrauten Peter Quinn geht die Staffel auch nicht besser aus – er hat dank Carrie die fünfte Staffel ja ohnehin nur knapp überlebt und hadert nun mit seinen körperlichen Einschränkungen nach seiner Beinahe-Exekution als Versuchskaninchen für einen Giftgas-Anschlag des IS. Dass Carrie sich schuldig fühlt und ihn nach einigen Eskapaden bei sich zuhause aufnimmt, wird natürlich von Dar Adal auch ausgenutzt – aber eigentlich wollte ich auf etwas anderes hinaus: Peter Quinn ist natürlich trotz allem noch Peter Quinn, der erfahrene und selbst mit seinen Einschränkungen noch handlungsfähige, hochtrainierte CIA-Agent. Er kriegt heraus, was Carrie nur ahnt: Sekou war kein Attentäter, sondern nur ein Werkzeug.

Homeland: Astrid  (Nina Hoss) Bild: JoJo Whilden/SHOWTIME

Homeland: Astrid (Nina Hoss) Bild: JoJo Whilden/SHOWTIME

Peter setzt Carrie auf die richtige Spur, allerdings gerät er damit auch ins Fadenkreuz der Ermittler: Kann nicht auch ein verbitterter Veteran, dem übel mitgespielt wurde, hinter dem Attentat auf die US-Präsidentin stecken? Ironischerweise ist aber auch Peter nur ein Werkzeug in diesem bösen Ränkespiel, was Peter leider erst klar wird, als seine Freundin Astrid umgebracht wird, jene BND-Agentin, die er von früher kennt und die ihn jetzt eigentlich sanft aus dem Verkehr ziehen sollte, damit er den Keane-Gegnern nicht in die Quere kommt. Aber Quinn war ja schon immer die tragische Figur der Serie , daran ändert sich auch nichts.

Und Mrs Cry-Face Carrie? Die darf endlich einmal die richtigen Prioritäten setzen: Sich für ihre Tochter entscheiden und gegen den Job. Das wird ihr naturgemäß schwer gemacht, am Ende knickt sie aber ein, weil sie kapiert, dass Dar Adal hinter der Jugendamt-Sache steckt, mit der ihr ihre Tochter weggenommen wurde. Und weil Carrie irgendwie doch etwas gelernt hat, will sie nicht gegen Dar Adal gewinnen, sondern einfach ihr Kind wieder haben. Was am Ende sogar belohnt wird, denn Dar Adal erkennt schließlich auch, dass ihm die Sache, die er angezettelt hat, aus dem Ruder läuft und gibt Carrie den entscheidenden Tipp, der das Leben von Präsidentin Keane rettet.

Alles in allem also eine typische Homeland-Staffel, die sich auch meiner Sicht dieses Mal wirklich gelohnt hat. Und die siebte Staffel kommt – ich freu mich schon fast ein bisschen drauf.

Homeland: Brett O'Keefe (Jack Weber) Bild: SHOWTIME

Homeland: Brett O’Keefe (Jack Weber) Bild: SHOWTIME

Tempel: Versagen mit Anspruch

Mir wird ja immer wieder vorgeworfen, dass ich in meinem Blog zu sehr auf die Serien von Netflix, Amazon und Co. fixiert sei und die Produktionen deutscher Sender kaum beachten würde – was aus meiner Perspektive aber vor allem daran liegt, dass dort leider auch nicht viel Bemerkenswertes zu finden ist. Außerdem lobe ich die wenigen deutschen Highlights schon, sofern ich sie entdecke, etwa Deutschland 83 oder Ku’damm 56.

Aber in der Regel geht das Projekt „ambitionierte Spitzenserie“ hierzulande schief – wenn es um die Entscheidung geht, sich wirklich was zu trauen, auch wenn das Ergebnis möglicherweise nicht mit dem Massengeschmack kompatibel ist – und ich behaupte, genau das ist es, was die US-Serien, die hierzulande von der Kritik zu recht gefeiert werden, eben besonders macht, auch wenn sie beim durchschnittlichen Fernsehpublikum weder hier noch in den USA besonders erfolgreich sind – dann geht das immer zugunsten der erhofften Massentauglichkeit aus.

Aber Massengeschmack und hoher Anspruch geht nur in Ausnahmefällen zusammen – schlimm ist, dass auch mit viel Aufwand produzierte Serien dann aber nicht nur bei den anspruchsvollen Nutzern durchfallen, sondern auch beim Durchschnittspublikum. Dadurch trauen sich die deutschen Fernsehmacher immer weniger, statt im Gegenteil endlich mal weg von ihrer Idioten-Schiene zu kommen und es alle recht machen zu wollen, womit am Ende sämtliche Zielgruppen enttäuscht werden.

Tempel - Bild: zdfneo.de

Tempel – Bild: zdfneo.de

ZDFneo wollte sich in Sachen Serie mal so richtig was trauen und hat eine eigene Serie gemacht, die mutiger, besser und in jeder Hinsicht cooler sein sollte, als die typisch deutsche Serienkost. Aber wie das hierzulande leider immer der Fall ist, haben sich die Macher wieder nur einen beherzten Griff in die Klischeekiste getraut, statt wirklich was Neues zu wagen. Insofern ist auch bei der Serie Tempel, auf die ich wirklich gespannt war, wieder nur – immerhin optisch ansprechend aufbereiteter – Mainstreamschrott herausgekommen, obwohl der Ansatz gar nicht so schlecht war: Mark Tempel, ein Altenpfleger mit Herz und einer kriminellen Vergangenheit als Beinahe-Profi-Boxer wird wieder in den Ring geschickt – und muss sowohl gegen jüngere und fittere Gegner, als auch gegen die böse Berliner Immobilienmafia und um seine Familie kämpfen.

Das an sich ist kein schlechter Stoff – die Vertreibung der alt eingesessenen Kiezbewohner durch betuchtere Neuberliner, die nach und nach alle zentral gelegenen Stadtviertel übernehmen und die ehemaligen Bewohner der nun luxussarnierten Altbauten sprichwörtlich an den Rand drängen, ist ein Thema, das durchaus eine Serie verdient, nur eben eine bessere als diese. Und dann werden noch eine Menge anderer Themen angerissen, die allesamt wichtig und fernsehgerecht zu bearbeiten wären – aber eben bitte nicht so.

Also: Mark Tempel (durchaus überzeugend verkörpert vom immer wieder sehenswerten Ken Duken), der eigentlich den Laden von Halbwelt-Bosses Jakob (Thomas Thieme) übernehmen sollte, weil der weiß, dass sein eigener Sohn für das Business, bestehend aus Boxstall und Puff, zu blöd und zu schwach ist, hat sich anders entschieden. Er hat mit seiner kriminellen Vergangenheit abgeschlossen, eine schöne Bürgertochter (Chiara Schoras als Sandra) geheiratet und eine begabte Tochter (Michelle Barthel als Juni) bekommen, die nun Geige studieren will. Sein Geld verdient er als selbstständiger Krankpfleger, der pflegebedürftige Alte in ihren Wohnungen betreut. Dabei wird er mit einer Menge Elend konfrontiert, aber Tempel ist gut in seinem Job und seine Schützlinge lieben ihn.

Aber Tempel hat selbst auch einige Schicksalsschläge zu verkraften – seine Frau Sandra sitzt seit einem Unfall im Rollstuhl und Töchterchen Juni übt mit ihrem Freund nicht nur Musik, weshalb sie plötzlich schwanger ist. Und dann kommt auch noch der lokale Entmietungstrupp vorbei und legt die dekorativ verwohnte Altbauwohnung der Familie in Trümmer. Leider auch das unersetzliche Instrument, mit dem Juni die Aufnahmeprüfung am Konservatorium bestehen wollte. Aber Mark Tempel gibt nicht auf, er ist ein Kämpfer und als solcher steigt er wieder in den Ring. Bis hier dachte ich, dass das zur Abwechslung einmal doch eine gute Serie werden könnte, denn der Auftakt ist dicht, temporeich und spannend. Doch dann geht leider wieder sehr viel schief, und das nicht nur für Mark Tempel.

Mark Tempel (Ken Duken), Sandra (Chitra Schoras) und Juni (Michelle Barthel) Bild: zdf

Mark Tempel (Ken Duken), Sandra (Chitra Schoras) und Juni (Michelle Barthel) Bild: zdf

Natürlich fangen die Schwierigkeiten jetzt erst an, unglücklicherweise killt Mark ausgerechnet den Bruder des aufsteigenden Mafiakönigs, der natürlich auch hinter den Schikanen steckt, mit denen die Altmieter vertrieben werden sollen. Dass auch hier wieder das Klischee der Osteuropa-Mafia bemüht wird, nervt irgendwie schon, es gibt doch wirklich genug kriminelle Baumafiosos aus deutscher Aufzucht. Oder reiche Araber. Oder neuerdings noch reichere Chinesen, die den Berlinern die geliebten Altbauwohnungen unterm Arsch wegkaufen könnten. Oder einfach nur gar nicht so reiche Londoner, New Yorker oder Tel Avivis, die sich darüber freuen, in einer Hauptstadt, in der man mit Englisch als Hauptsprache wunderbar durchkommt, überhaupt irgendwie bezahlbare Wohnungen zu finden. Ich wohne in Berlin Mitte, und ich weiß, dass viele Klischees über Berlin tatsächlich zutreffen – aber die kommen in dieser coolen, hippen Serie gar nicht vor.

Statt dessen werden jede Menge typisch öffentlich-rechtliche Stereotype aufgefahren, deren medienpädagogischer Impetus in seiner politischen Korrektheit geradezu lächerlich ist: Türkische Jungs mit einem Faible für schöne blonde Frauen im Rollstuhl, tapfere türkische Mamas, die himmelschreiend verständnisvoll sind, ernsthafte Teenager, die sich Sorgen um das Sexleben ihrer Eltern machen, Huren mit dem Herz auf dem rechten Fleck und so weiter – und dass die bestechliche Bausenatorin ausgerechnet die Mutter von Junis Freund sein muss, die sich als demonstrativ liberale Mutter gibt – bis sie erfährt, dass „es“ ohnehin schon passiert ist, macht die Sache auch nicht besser.

Ebensoweinig wie die alte Geschichte zwischen Mark und der kühl-attraktiven Puffmutter, die wieder aufgewärmt auch nicht besser schmeckt. Natürlich sind Prostitution und damit verbunden auch Mädchenhandel typische Bestandteile universeller Mafiakriminalität, genau wie halbseidene Immobiliengeschäfte, aber gerade die Berliner Großstadtszene hätte doch einiges mehr zu bieten als nur eben das – neben dem türkischen Gemüseladen kämpfen ja auch alternative Sozialprojekte, Kleingalerien, Kleingärtner, Off-Theater, Studenten-WGs, klassische Handwerksbetriebe und stinknormale Familien ums Überleben in ihrem Kiez, es gibt so viele Durchwurschtel-Projekte in Berlin, die allesamt serientauglich wären – warum wiederholt Tempel stattdessen sämtliche Fehler, die schon beim ARD-Prestigeprojekt Im Angesicht des Verbrechens gemacht wurden?! Offensichtlich denken deutsche Serienmacher beim Begriff „Kiez“ automatisch an Reeperbahn und nicht an Rentner auf der Parkbank, den Schreiner im Hinterhof und Kinder auf dem Spielplatz in der Baulücke gegenüber, die doch mindestens genauso kieztypisch wären. Nee, so wird das nichts.

Immerhin: Tempel hat nur sechs Folgen mit jeweils einer halben Stunde Laufzeit, der Zeitaufwand ist also überschaubar, wenn man sich selbst einen Eindruck verschaffen will. Und es ist auch nicht alles schlecht – man sieht ein bisschen von Berlin, still gelegte Schwimmbäder und verlassene Fabrikhallen sind als Kulisse immer wieder attraktiv. Ja, und dann natürlich Ken Duken.

Secrets and Lies

Ganz in der britischen Tradition verstörender Miniserien steht der australische Sechsteiler Secrets and Lies: Ein Familienvater findet morgens beim Joggen ein schwer verletztes Kind im Wald. Es handelt sich um den vierjährigen Sohn der  alleinerziehenden Nachbarin Jess (Adrienne Pickering). Ben Gundelach (Martin Henderson) rennt panisch nach Hause, um Rettungskräfte und Polizei zu alarmieren. Natürlich ist er voller Blut, denn er wollte ja sehen, ob er dem Jungen noch helfen kann: Doch es stellt sich schnell heraus, dass hier nicht mehr zu machen ist: Der kleine Thom wurde brutal erschlagen.

Schnell fällt der Verdacht auf Ben – schließlich war er allein am Tatort und er hat für die fragliche Zeit kein Alibi. Ben ist fassungslos: Nur weil er den Jungen zufällig gefunden hat, ist er doch nicht der Mörder! Aber es stellt sich schnell heraus, dass dieser blöde Zufall das Potenzial hat, sein ganzes Leben zu ruinieren – und das seiner Familie dazu. Denn so einfach, wie Ben die Sache auch vor sich selbst gern darstellen würde, ist es nicht. Nicht umsonst lautet der Titel der Miniserie „Geheimnisse und Lügen“.

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Davon werden nach und nach eine ganze Menge ans Tageslicht gezerrt und wie so oft stellt sich vieles plötzlich anders dar, als es anfangs aussah. Und auch Ben beginnt, an seiner eigenen Version der Dinge zu zweifeln – denn er kann sich nämlich kaum noch an die Nacht vor jenem grauenhaften Morgen erinnern, weil er mit einem Kumpel etwas trinken war und einen Filmriss hatte.

Dazu kommen noch einige blöde Zufälle, die ihn schlecht aussehen lassen. So ist Bens Taschenlampe verschwunden – die smarten Forensiker finden natürlich heraus, mit was für einem Gegenstand der Junge erschlagen wurde: Es handelt sich genau um das Modell, das in Bens Werkzeugkiste fehlt.

Warum in aller Welt hätte er dem Jungen etwas tun sollen, fragt er den ermittelnden Detective Ian Cornielle (Anthony Hayes) entnervt. „Genau das werde ich herausfinden“, sagt Cornielle. Tatsächlich ermittelt die Polizei zwar in viele Richtungen, Cornielle kommt aber immer wieder auf Ben zurück, der seinerseits versucht, zu beweisen, dass er nicht der Mörder des kleinen Jungen sein kann.

Screenshot Secrets and Lies - Ben  Gundelach (Martin Henderson) und Eva (Piper Morrissey)

Screenshot Secrets and Lies – Ben Gundelach (Martin Henderson) und Eva (Piper Morrissey)

Aber wie das so ist: Wird man erst einmal verdächtigt, dann bleibt auch etwas hängen, ganz gleich, ob man der Täter ist oder nicht: Bens Frau Christy (Diana Glenn) hat nun einen willkommenen Grund mehr, aus der kriselnden Ehe auszubrechen. Ben erfährt jetzt, dass Christy schon länger einen Freund hat und ihn ohnehin verlassen wollte. Und inzwischen ist Christy sogar egal, dass sie eigentlich wegen der Kinder mit Ben zusammen Weihnachten feiern wollte – sie reicht die Scheidung ein und zieht mit den Töchtern Tasha (Philippa Coulthard) und Eva (Piper Morrissey) aus.

Auch die Nachbarn wenden sich von Ben ab, die meisten wollen nicht mal mehr mit ihm sprechen und werfen ihn Zettel in den Briefkasten, wenn sie etwas von ihm wollen. Es dauert auch nicht lange, bis jemand „Kindermörder“ an seinen Gartenzaun schmiert. Schlimmer noch: Auch seine Kunden ziehen ihre Aufträge zurück, denn die Medien berichten natürlich über das Verbrechen und spekulieren über mögliche Täter.  Von einem mutmaßlichen Kindermörder möchte man das Haus nicht frisch gestrichen kriegen. Zumal Ben Zusagen gegenüber Kunden, die nach viel Überzeugungsarbeit weiterhin auf ihn setzen, nicht einhalten kann: Entweder wird er wieder zu einer Befragung geholt, die länger als erwartet dauert, oder Ben verrennt sich in eigene Ermittlungen – was ist beispielsweise mit dem gewalttätigen Ehemann von Jess? Kann nicht er der Mörder sein?

Screenshot Secrets and Lies - Tasha Gundelach (Philippa Coulthard)

Screenshot Secrets and Lies – Tasha Gundelach (Philippa Coulthard)

Ben findet heraus, dass der Berufssoldat Paul heimlich Kontakt zu seinem Sohn Thom hatte – und zwar ausgerechnet mit der Hilfe von Bens älterer Tochter Tasha, die häufig auf Thom aufgepasst hat. Bens Verhältnis zu seiner störrischen Teenager-Tochter ist ohnehin nicht das Beste, ihm passt nicht, dass sie einen Freund hat, und noch weniger, dass sie mit diesem Freund auf Partys geht. Und dass Tasha offenbar Kontakt zu Paul hatte, schlägt dem Fass endgültig den Boden aus.

Eigentlich hält nur noch die jüngere Tochter Eva zu Ben – sie läuft ihrer Mutter weg, um Zeit mit ihrem Vater zu verbringen und bringt Ben damit zusätzlich in Schwierigkeiten. Davon hat er eigentlich so schon genug – Ben entdeckt zufällig, dass sein Arzt und Nachbar Tim Turner (Hugh Parker), vor einigen Jahren in Großbritannien verdächtigt wurde, sich an einem Jungen vergangen und ihn ermordet zu haben. Man konnte ihm nichts nachweisen, aber wie Ben ja selbst erfahren muss: Allein eine solche Verdächtigung reicht aus, um Karrieren und Leben zu zerstören.

Screenshot Secrets and Lies - Ben (Martin Henderson) und Christy Gundelach (Dianna Glenn)

Screenshot Secrets and Lies – Ben (Martin Henderson) und Christy Gundelach (Dianna Glenn)

Der verzweifelte Ben ist so versessen darauf, seine Unschuld zu beweisen, dass er einen Fehler nach dem anderen macht und dabei ohne Rücksicht auf Verluste auch andere schädigt, etwa Dr. Turner, der im Gegensatz zu Ben tatsächlich ein solides Alibi für die Tatzeit hat und somit tatsächlich als möglicher Täter ausscheidet – was die Polizei auch schon längst korrekt ermittelt hat.

Und natürlich kommt es noch schlimmer – ein DNA-Abgleich fördert zu Tage, dass Thom Bens Sohn gewesen ist. Jess und Ben hatten vor einigen Jahren also ein Affäre. Ben hatte zwar beteuert, dass es ein einmaliger Ausrutscher gewesen sei – aber Christy ist sich da nicht so sicher. Hat sie am Ende etwas mit Thoms Tod zu tun? Oder gar die labile Jess selbst?

Screenshot Secrets and Lies - Brisbane

Screenshot Secrets and Lies – Brisbane

Es stellt sich heraus, dass Jess manisch-depressiv ist und ihre Medikamente nicht nimmt, weshalb sie mitunter gewalttätig wird – sie hat ihren Mann Paul schon mal mit einem Messer schwer verletzt. Und dann ist da auch noch Jess‘ undurchsichtige Schwester Nicole, die keinen Hehl daraus macht, dass sie Ben nicht leiden kann.

Alles in allem also eine ganz schlimme Geschichte mit einer schrecklichen Auflösung, die ich an dieser Stelle nicht natürlich nicht verraten kann, weil ich hoffe, dass der eine oder die andere meiner Empfehlung folgt und sich Sercrets und Lies noch ansehen wird. Natürlich gibt es von der Serie inzwischen auch ein US-Remake, das ich mir allerdings noch nicht angehen habe, mich interessierte gerade die australische Version von 2014 (geschrieben von Stephen M. Irwin) die in Brisbane spielt.

Designated Survivor: Plötzlich Präsident

Es ist gewiss kein Zufall, dass ausgerechnet jetzt eine Serie wie Designated Survivor auf die Bildschirme kommt: Angesichts der absurden US-Wahlkampf-Parodie mit den wenig überzeugenden Scripted-Reality-Darstellern Hillary Clinton und Donald Trump wünscht man sich tatsächlich, dass noch irgendetwas total Unvorhersehbares passiert, das einen vergleichsweise vernünftigen Kandidaten ins weiße Haus bringen könnte. (Auch wenn ich theoretisch gut fände, wenn eine Frau US-Präsidentin würde, finde ich ausgerechnet Hillary problematisch – was sie als Politikerin in Libyen oder der Ukraine angerichtet hat, ist himmelschreiend. Aber Trump ist natürlich in so ziemlich jeder Beziehung total indiskutabel. Kein Wunder, dass sich viele Amis lieber einen Weltuntergang wünschen als die Wahl eines dieser beiden KanditatInnen)

In Designated Survivor ist es ein Anschlag auf das Kapitol, in dem gerade die Ansprache des Präsidenten zur Lage der Nation stattfindet – sämtliche Politiker von Rang und Namen sind dort versammelt und werden praktischerweise alle auf einen Schlag getötet. Nur eben der für diesen Abend bestimmte Designated Survivor, der wenig einflussreiche Minister für Stadtentwicklung und Wohnungsbau Tom Kirkman (Kiefer Sutherland), der ohnehin auf der Abschlussliste war und demnächst aus dem Kabinett fliegen sollte, überlebt planmäßig.

Designated Survivor: Tom Kirkman (Kiefer Sutherland) Bild: abc.com

Designated Survivor: Tom Kirkman (Kiefer Sutherland) Bild: abc.com

Und genau wie es das Protokoll für diesen extrem unwahrscheinlichen Fall vorsieht, wird er umgehend an einen noch sicheren Ort verfrachtet, vereidigt und in die Amtsgeschäfte eingeführt: Das mächtigste Land der Welt braucht jetzt einen starken Führer, der die Zügel in die Hand nehmen kann. Doch ob der freundliche Brillenträger im grauen Kapuzenpulli der richtige für diesen Job ist?

Das bezweifeln die meisten. Doch die haben jetzt keine Wahl: Die USA erleben ein neues 9/11 und brauchen jemanden, der bereit ist, jetzt Stärke und Entschlossenheit zu demonstrieren. Kirkman, der pflichtbewusste Familienvater übernimmt die Verantwortung – nicht ohne sich mit seiner Frau Alex (Natascha McElhone) zu beraten, die praktischerweise Anwältin ist. Und eine gewisses Geschick im Umgang mit Menschen scheint Tom Kirkman schon zu haben – er schafft es, seine Tochter telefonisch zu überreden, jetzt endlich ins Bett zu gehen – auch wenn seine Frau ihn rügt, dass er Penny keine Versprechungen machen solle, der er nicht halten könne. „Hey, wir sind in Washington – hier macht man nur Versprechen, die man nicht halten kann!“ erwidert Tom grinsend. Aber da weiß er noch nicht, dass gleich Schluss mit lustig sein wird.

Außerdem stellt sich heraus, dass Tom eine persönliche Assistentin hat, die ziemlich gut in ihrem Job ist und er schafft es auch, Seth Wright (Kal Penn) einen professionellen Redenschreiber des Weißen Hauses auf seine Seite zu ziehen, der zwar erst große Bedenken hat, sich dann aber als Glücksgriff für Tom erweist. Seth weiß nicht nur, wie man die gierige Pressemeute bändigt, sondern ist auch noch durch Herkunft und Aussehen der ideale Vermittler zwischen dem aufgebrachten weißen Establishment und der muslimischen Minderheit, die nach dem Anschlag sofort unter Generalverdacht gestellt wird. Denn es gibt Hinweise auf einen islamistischen Hintergrund für die verheerende Attacke.

Designated Survivor: Tom Kirkman (Kiefer Sutherland) Bild: abc.com

Designated Survivor: Tom Kirkman (Kiefer Sutherland) Bild: abc.com

Allerdings gibt es an dieser Version auch Zweifel: Die FBI-Agentin Hannah Wells (Maggie Q), die selbst einen Freund bei dem Anschlag verloren hat, bleibt trotz scheinbar deutlicher Hinweise auf einen islamitischen Hintergrund des Anschlags skeptisch – die Spuren sind zu eindeutig, sie hat das Gefühl, manipuliert zu werden. Und es wird ein Überlebender gefunden – Peter MacLeish (Ashley Zukerman), ein junger Kongress-Abgeordneter aus Oregon. Natürlich stellt sich gleich die Frage: Warum hat ausgerechnet er überlebt?

Und dann gab es noch einen weiteren Designated Survivor, nämlich die republikanische Kongressabgeordnete Kimble Hookstraten (Virginia Madsen), die Tom erstmal unterstützt, aber selbstverständlich eine eigene Agenda verfolgt. Aber Tom ist jetzt nunmal Präsident der USA und trotz aller Unsicherheit ist er gewillt, diese Aufgabe, so gut er kann, hinzukriegen. Kirkman mag bisher ein eher farbloser Typ gewesen sein – aber er ist kein Mann der voreiligen Schlüsse und er lässt sich auch nicht von den Militärs überrumpeln, die jetzt gern nach außen Stärke demonstrieren wollen.

Das ist einerseits sympathisch, und Tom kann erstmal damit punkten, dass er nicht als der Präsident in die Geschichte eingehen will, der als erste Amtshandlung einen neuen Krieg vom Zaun gebrochen hat. Doch Tom verspielt diese Sympathie allerdings auch ziemlich schnell wieder, in dem er dann doch auf Härte und Konsequenz setzt: Als Gouverneur James Royce (Michael Gaston) in Michigan damit anfängt, einen Polizeistaat zu etablieren, der systematisch gegen Moslems vorgeht, will Tom das unterbinden, in dem er die Nationalgarde wegen Rebellion einsetzt. Nur verweigert die Nationalgarde dem nichtgewählten Präsidenten Kirkman genauso den Gehorsam wie der starrsinnige Gouverneur. Kirkman ist Politiker genug um zu kapieren, dass er jetzt ein Exempel statuieren muss: Wenn er sich jetzt nicht durchsetzt, werden ihm alle anderen auch auf der Nase herumtanzen. Und man muss nicht 24 gesehen haben, um zu wissen, dass Tom Kirkman sich durchsetzen wird, denn sonst wäre die Serie jetzt schnell vorbei: Natürlich setzt Kirkman sich durch, auch wenn seine persönliche Assistentin Emily Rhodes (Italia Ricci) ziemlich entsetzt darüber ist, dass Kirkman etwas anderes tut, als er ihr gesagt hat.

Aber er tut dann auch noch ganz andere Dinge, die er anfangs auf keinen Fall tun wollte – ich habe jetzt die ersten fünf Episoden gesehen und muss sagen, dass ich mit den letzen beiden, „The Enemy“ und  „The Mission“ nicht zufrieden war, während ich den Auftakt ziemlich stark fand. Aber es kommt ja noch einiges auf uns zu – ABC ist von einer ersten Bestellung von 13 später auf 22 Teile für die erste Staffel gegangen. Ich weiß nicht, ob das eine gute Nachricht ist.

Designated Survivor: Die Crew Bild: abc.com

Designated Survivor: Die Crew Bild: abc.com

Ich persönlich bin ja eher ein Fan des gepflegten 10-Teilers. Okay, es dürften auch 12 oder 13 Teile sein, wenns gut genug ist. Aber die 10-Teiler sind in der Regel deutlich besser als die Serien mit 22 bis 23 Folgen: Bei so vielen Episoden gibt es zwangsläufig immer Füllepisoden, denen man einfach anmerkt, dass sie eigentlich überflüssig sind und die eigentliche Geschichte nicht voran bringen – das ist genau die Art Fernsehen, die ich nicht mehr sehen will.

Das ist auch ein Grund, warum ich 24 nie komplett ansehen werde – das kostet einfach zu viel Zeit und ich finde die Serie dafür einfach nicht gut genug – ich habe mir ungefähr die Hälfte der ersten Staffel angesehen – die für ihre Zeit ja tatsächlich innovativ war, aber damals total an mir vorbei gegangen ist. Vermutlich, weil es die Streaming-Portale noch nicht gab und ich prinzipiell nichts mit Werbeunterbrechung ansehe. Damit weiß ich jetzt aber trotzdem genug, um zu wissen, wer Jack Bauer ist. Und dann habe ich natürlich auch die erste Hälfte der 8. Staffel gesehen, mit Jürgen Prochnow als Sergei Bazhaev und Rami Malek als Marcos Al-Zakar.

Insofern überrascht nicht, dass die für den Anschlag verdächtige Terror-Gruppe Al-Sakar genannt wird – wie der Selbstmord-Attentäter aus 24. Ich hoffe aber sehr, dass der von Skrupeln geplagte Politiker Tom Kirkman dem Super-Agenten Jack Bauer nicht allzu ähnlich wird, wobei, von vielerlei Sorgen geplagte Familienväter sind sie ja beide. Es kann also noch sehr viel schief gehen.

In Deutschland startet Designated Surviver am 6. November auf Netflix.

Westworld: Cyborg-Western mit echten Gefühlen

Der letzte Versuch mit einer Mischung aus Science-Fiction und Western war, soweit ich mich erinnere,  die Serie Firefly – mit der Fox im Jahr 2002 allerdings nicht den gewünschten Erfolg landen konnte, obwohl mir die Idee hinter Firefly ganz gut gefallen hat. Insofern war ich sehr gespannt auf Westworld. Hier geht es allerdings nicht um handfeste Hasardeure, die sich mit ihrem altersschwachen Raumschiff in neu besiedelten fernen Welten durchschlagen müssen, sondern um eine künstliche Welt, die auf der Erde geschaffen wird. Außerdem steht dieses Mal HBO dahinter – und HBO braucht zum absehbaren Ende von Game of Thrones einen neuen Serienhit.

Westworld hat tatsächlich die Chance, das nächste große Ding zu werden. Wobei die Idee mit intelligenten Robotern, die ein Eigenleben entwickeln, ja keine neue ist, das gab es schon in 2001 – Odyssee im Weltraum, Bladerunner oder in der (sehr sehenswerten) schwedischen Serie Real Humans. Aber nun kommt das Thema noch ein paar Nummer größer und komplexer – aber es wurde ja auch Zeit. Gute Science-Fiction-Serien sind derzeit Mangelware. Ascension war ein netter Versuch, der leider zu früh abgebrochen wurde, und Colony fand ich zwar ganz interessant, aber nicht wirklich überzeugend.

Westworld: Teddy Flood (James Marsden) und Dolores (Evan Rachel Wood) Bild: HBO

Westworld: Teddy Flood (James Marsden) und Dolores (Evan Rachel Wood) Bild: HBO

Die ersten beiden Folgen von Westworld hingegen sind sehr ermutigend – Person-of-Interest-Autor Jonathan Nolan könnte hiermit endlich seinen großen Durchbruch schaffen, denn Person of Interest war zwar nicht schlecht, aber eben auch noch nicht so richtig gut. Doch worum geht es in Westworld eigentlich?

Westworld ist ein Freizeitpark der Zukunft – eine Art begehbares Abenteuer-Spiel, in dem man in eine Western-Vergangenheit eintauchen kann, die einerseits hyperrealistisch ist, die es andererseits so aber nie gegeben hat: Alles ist erfunden. Sämtliche Figuren, die Westworld bevölkern, agieren wie echte Menschen, sind aber tatsächlich Cyborgs, die von den menschlichen Spielern nach Belieben misshandelt, verletzt, vergewaltigt und auch getötet werden können. Dabei leiden sie wie Menschen und es fließt auch eine Menge Blut. Damit alles überzeugend wirkt, sind auch die Roboter mit Waffen ausgestattet, allerdings sind sie damit nicht in der Lage, die zahlenden Gäste zu verletzen. Wenn das Gemetzel vorbei ist, werden sie zur Reparatur gebracht und gewartet, um dann nach entsprechenden Updates wieder eingesetzt zu werden.

Westworld: Dr. Robert Ford (Anthony Hopkins) und Bernard Lowe (Jeffrey Wright) Bild: HBO

Westworld: Dr. Robert Ford (Anthony Hopkins) und Bernard Lowe (Jeffrey Wright) Bild: HBO

Die Hauptperson, wenn man so will, ist Dolores (Evan Rachel Wood). Sie ist inzwischen der dienstälteste Roboter in Westworld und so oft repariert und mit Updates versehen worden, dass sie eigentlich überhaupt keine Identität mehr haben dürfte – aber ihre Schöpfer, der Westword-Gründer Dr. Robert Ford (Anthony Hopkins) und seine rechte Hand Bernard Lowe (Jeffrey Wright) sind versessen darauf, ihre Figuren so lebensecht wie nur möglich zu gestalten. Deshalb programmieren sie ihnen mit der Zeit auch Erinnerungen ein, die mit bestimmten kleinen Gesten verbunden sind – solche Details lassen sie tatsächlich wie Menschen wirken. Wie sich aber auch herausstellt, verhalten sich die mit den neuesten Updates versehenen Roboter gelegentlich anders als erwartet – sie scheinen sich tatsächlich an Dinge aus ihrer Vergangenheit zu erinnern, die sie eigentlich nach einer Überholung in der Werkstatt vergessen haben sollten.

Dolores beispielsweise wurde von ihren Schöpfern mit einem sonnigen Gemüt ausgestattet, sie ist eine hübsche junge Frau, die das Schöne in der Welt sehen will und damit unweigerlich zum Schwarm aller Männer wird, sowohl ihrer Cyborg-Kollegen als auch der menschlichen Gäste, was diese allerdings nicht davon abhält, schreckliche Dinge zu tun – etwa ihren Verehrer Teddy Flood (James Madsen) zu erschießen, was gefühlt ungefähr alle fünfzehn Minuten passiert, oder ihren Vater, der dabei irreparabel zerstört und durch einen anderen Cyborg ersetzt wird – was Dolores allerdings gar nicht zu bemerken scheint: Sie ist in einer Zeitschleife gefangen und spult immer wieder ihr Programm ab. Bis sie sich unerwarteterweise an etwas zu erinnern scheint, was nicht in ihre trotz aller Gewalt doch irgendwie heile übersichtliche Welt passt.

Westworld: Der schwarze Reiter (Ed Harris) Bild: HBO

Westworld: Der schwarze Reiter (Ed Harris) Bild: HBO

Und es gibt ja auch eine andere Welt da draußen, die Welt der Westworld-Erfinder beispielsweise, die in einer futuristischen Zentrale über das Geschehen in Westworld wachen, was wiederum an The Hunger Games erinnert, wo sich junge Menschen zur Erheiterung des Publikums in einer riesigen, mit allerlei technischen Finessen versehenen Arena gegenseitig umbringen müssen, bis nur noch ein Gewinner übrig ist. So grausam ist die Welt von Westworld allerdings nicht, zumindest nicht für die menschlichen Spieler – sie sind einfach da, um Spaß zu haben und mal richtig die Sau rauszulassen: In Westworld dürfen sie all das ungestraft tun, was im echten Leben überhaupt nicht geht.

Und die Westword-Macher geben sich große Mühe, damit ihre zahlende Gäste gern wiederkommen, auch wenn anfangs noch nicht ganz klar ist, wie das alles wirklich funktioniert. Auf jeden Fall gibt es eine Geschäftsführerin – Sidse Babett Knudsen darf nun, nachdem sie in Borgen bereits Erfahrung als erste dänische Regierungschefin gesammelt hat, Chefin des coolsten Freizeitparks der Welt sein – die dafür sorgt, dass die Investoren zufrieden sind, einen überambitionierten Autor (Simon Quartermann als  Lee Sizemore), der sich ständig spektakuläre neue Handlungsstränge ausdenkt, was bei Dr. Robert Ford, der eher Wert aufs Detail legt, nicht unbedingt gut ankommt, und einen mysteriösen Dauergast (Ed Harris), der seit 30 Jahren immer wieder kommt und endlich Zugang zum ultimativen Superlevel erhalten will.

Westworld: Elsie Hughes (Shannon Woodward) Theresa Cullen (Sidse Babett Knudsen) Bild: HBO

Westworld: Elsie Hughes (Shannon Woodward) Theresa Cullen (Sidse Babett Knudsen) Bild: HBO

Er hat eine gewisse Narrenfreiheit, was er auch skrupellos ausnutzt, in der Westernwelt ist er der grausame dunkle Antiheld, der Angst und Schrecken verbreitet, um zu bekommen, was er will. Irgendwie ist diese Figur auch ein Seitenhieb auf den anspruchsvollen Serienfan, den Auskenner, der immer nach noch mehr verlangt – er hat alles schon gesehen, ist stolz darauf und deshalb schnell demonstrativ gelangweilt, andererseits hofft er auf das nächste ganz große Ding, das ihn, den abgebrühten Zyniker, am Ende doch noch mal herausfordert und überrascht.

Dann gibt es auch noch die anderen Gäste, die das Abenteuer ihre Lebens erleben und sich dabei in der Regel schlecht benehmen. Und schließlich natürlich die ganzen Cyborgs, die zunehmend merkwürdige Fehlfunktionen entwickeln: Hinter Westworld scheint irgendwie noch etwas ganz anderes zu stecken, aber es wird vermutlich noch ein paar Folgen (oder gar Staffeln) dauern, bis klar wird, worum es noch gehen könnte.

Westworld: Maeve Millay (Thandy Newton) Bild: HBO

Westworld: Maeve Millay (Thandy Newton, links) Bild: HBO

Wobei natürlich auch nach der ersten Folge klar wird, dass Westworld auf verschiedenen Ebenen statt findet: Es gibt die Handlungsstränge in Westworld, die Geschichten der Hosts selbst, also der Gastgeber, wie die menschlichen Roboter offiziell genannt werden – sie erzählen einander und natürlich auch den Gästen, woher sie kommen (aus der alten Welt beispielsweise) und wie sie angeblich in dieser Westernstadt gelandet sind. Wobei unter den Menschen durchaus schon mal die Frage gestellt wird, was es eigentlich für einen Nutzen haben soll, dass die Roboter miteinander reden, wenn gar keine Gäste anwesend sind. „Dann üben sie, das ist gut, um sie zu verbessern!“ erklärt Bernard Lowe, der sich überhaupt sehr für das kognitive Eigenleben seiner Geschöpfe interessiert. Und dann gibt es die Geschichte der Westword-Erfinder, so trinkt Dr. Ford beispielsweise gern mit seinen Cyborg-Veteranen, die er für Westworld erschaffen hat. Außerdem gibt es natürlich auch noch die Gäste, die sehr unterschiedlich mit ihrer erkauften Freiheit in der alternativen Realität von Westworld umgehen.

Wie auch bei Real Humans geht es in Westworld vor allem um die Frage, was Menschlichkeit am Ende ausmacht: Ist es okay, lebensechte Nachbildungen von Menschen zu quälen und zu töten? Ab wann gilt ein Individuum als menschlich? Kann und muss man mit einem Roboter Mitleid haben, wenn er drauf programmiert ist, Schmerz zu empfinden und zu leiden? Und was sagt es über Menschen aus, wenn sie perfekte Abbilder ihrer Selbst erschaffen, nur, um sie zur allgemeinen Belustigung zu zerstören? Westworld stellt viele Fragen und überlässt es den Zuschauern, sie zu beantworten.

Das ist eine Serie nach meinem Geschmack – zumal sowohl die atemberaubenden Landschaftsaufnahmen in der Westernwelt als auch das kühle Raumschiff-Ambiente des Westworld-Hauptquartiers eine grandiose Kulisse für die viel versprechende Story abgeben. Westworld hat auf jeden Fall das Potenzial für ein nächstes großes Ding – ich bin sehr gespannt, wie sich die Serie in den kommenden Folgen entwickelt.